El nuevo “Name of the Game” en la música.

Esta vez tenemos un artículo corto, en seguimiento a nuestra última aportación sobre audio en vivo,  ahora veamos el tema de tu show, y es muy común que las bandas que recién comienzan con su proyecto musical, estén enfocados en crear música, que es perfectamente válido, si embargo en esto hay algo escondido, el hecho de pensar que la banda tiene que crear música implica también esperar que sus seguidores estén solamente buscando “música”, pensar de esta manera limita el crecimiento del proyecto.

¿Por qué?

Bueno es tan simple como si lo que piensas es que el objetivo de tu banda es crear música y esperar que las personas te escuchen y eso es todo que con eso ambas necesidades están satisfechas. Si se piensa de esta manera se dejan de lado las tocadas, y los shows que también son muy importantes para todas las bandas. En esta era de música digital, el público no está interesado en “gastar” dinero para  comprar música, y si el enfoque original es solamente esto…. de alguna manera condena el proyecto al fracaso.

¿Entonces que se puede hacer?

Para ilustrar esto voy a hacer una comparación de un modelo exitoso. Hasta hace unos años, las personas estaban dispuestas a gastar dinero en comprar películas en DVD o Blue Ray, pero ahora es mucho menos común que la personas gasten su dinero en ellos lo que nos lleva al famoso caso de la quiebra de BlockBuster, ¿Por qué se fue a la banca rota?, simple, por que vendían películas, un producto por el las personas ya no están dispuestas a gastar, ahora veamos a Netfix, su visión menciona lo siguiente “Convertirse en el mejor servicio de distribución global de entretenimiento, a través de contenido original y licenciamiento” como puedes ver ellos no venden películas, venden entretenimiento.

 Es fundamental que tu proyecto no se vea limitado a la música, tu proyecto tiene que ser más completo, y si lo que “vendes” a tus seguidores es entretenimiento, esto te puede generar muchas oportunidades, como live streams, shows o tocadas, incluso un blog donde le hables a tus fans de cómo están preparando las nuevas rolas, o crear un video “detrás de cámaras” del proceso de grabación de tu EP, todo esto es ofrecer entreteniendo a tus seguidores, sólo asegúrate de tener un plan de como entregar este contenido a tus seguidores, y tener una forma de medir a cual contenido responde mejor tu base de seguidores para poder ofrecer contenido similar.

Esto conlleva dedicar tiempo no solo a la creación de música, si no a la creación de un concepto completo que englobe tu proyecto. La misma atención y dedicación que se requiere para crear canciones se tiene que tener para comunicar y entretener, definir tus shows y tus estrategias en redes sociales.

Posiblemente la música de RAMSTEIN no sea la que más disfrutemos incluso pocos saben algún nombre de sus canciones, pero a nadie se le olvida que el tipo se prende fuego en el escenario! ; O posiblemente U2 no sea la mejor banda del mundo sin embargo todos saben que sus shows son de los mejores.

Así como Foo Fighters dedica una buena parte de su tiempo a la edición de videos documentales sobre música en donde hablan de sus álbumes y experiencias..

En esta era, las canciones son sólo el pretexto, y el nuevo “name of the game” es Entretenimiento. Y tu ¿qué ofreces?

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Al Pan Pan y al Vino Vino

En esta ocasión nos gustaría hablar con ustedes sobre algunos términos que están íntimamente relacionados y por error se utilizan indistintamente, sin embargo tienen significados diferentes y es importante entender sus diferencias para entender cuando utilizar cada uno.

Industria Musical.

Es la conformada por las empresas e individuos que ganan dinero creando, divulgando y vendiendo música.
Entendamos entonces que dentro de la industria de la música se encuentran las empresas e individuos que permiten que la música exista y sea comercializada, desde los artistas, que crean las canciones, los estudios de grabación, que permiten el posterior consumo de la música, pero también la existencia de productores, músicos de sesión, los ingenieros de mezcla y master.
En relación a la distribución, las casas de discos como Mixup y Mr CD (entre otras), quienes ponen la música al alcance de los consumidores y fans. En lo que respecta a la música en vivo, hay varias figuras involucradas en la industria musical, de parte del artista tenemos a los managers, boockers y roadies de los artistas, de parte de los venues tenemos, venues y lo necesario para crear un evento, ingeniero de sala, ingeniero de monitores, management entre otros. Por ultimo individuos que están alrededor del artista con una función administrativa como pueden ser abogados, contadores y administradores.

Como puedes ver, hablando en términos locales (Guadalajara) contamos con una industria desarrollada, no estamos hablando de accesibilidad en este punto, pero si podremos decir que hay estudios de grabación para casi cualquier presupuesto, así como equipos de trabajo pagados y donde la banda cubre estas funciones, venues los hay, unos mejores que otros, pero en Guadalajara existen las condiciones necesarias para afirmar que existe una industria musical y esta está en buen estado.

Escena musical.

Espacio local en el cual surge o es apropiado un estilo musical específico.
Como podemos ver la parte clave de este término es un espacio físico, así que es un espacio donde se encuentran varias bandas del mismo género, por ejemplo puede ser un lugar donde de forma regular encuentras bandas del mismo género, un ejemplo es el de un bar donde se presentan bandas de rock, y personas externas piensan en ese lugar para escuchar música de un cierto género.
Para tu banda esto es importante ya que es uno de los lugares donde puedes hacer Networking y encontrar bandas similares a la tuya y entre los dos compartir gastos para tocar fuera de la ciudad.

Movimiento musical.

Conjunto de proyectos musicales con características en común, que logran generar sinergia en una comunidad cobrando reconocimiento y aceptación de esta y otras comunidades
En 1994 el movimiento de “La Avanzada Regia” tenía dominado el terreno musical de prácticamente toda la república, nos llegaban los disco de: Zurdok, Plastilina Mosh, Panda, Jumbo, Control Machete, Kinky, y Volován para inundárnos el panorama como escuchas, lo que provocó un resurgimiento en Guadalajara, que más que una competencia, pretendían ir hombro con hombro para generar un movimiento aún mayor.
La Frecuencia Tequila, fue el nombre que denominó al movimiento de bandas tapatías. un camino que comenzó a labrarse en Guadalajara, las bandas que permanecían segregadas lograron entablar un acuerdo, el cual llevaba implícito el comenzar de nuevo bajo la premisa de unirse y lograr una presencia con más impacto dentro de los oídos de México, algunas bandas que sobresalieron fueron Disidente, Fósforo Club, Plasiko, Sussie 4, Joly, Bulbo (ahora Becker), Enter, Plan Fuga, Fonoz, Innova, Pito Pérez, Belanova entre otras. Con el pie derecho iniciaron a producir espectativas en la prensa, los medios de radio y televisión y sobre todo el público, que estaba volteando y contagiándose de música tapatía.

Así que ya conocen un poco mejor la terminología utilizada, reconozcan sus oportunidades cuando las vean y ayuden a desarrollar cada una de ellas, des de los movimientos y las escenas musicales, esto hace que Guadalajara continúe teniendo una industria en buen estado y en desarrollo.

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Máster (No es solo subir el volumen)

El Proceso de grabación y mezcla ha terminado, el ingeniero de mezcla ha logrado establecer el balance entre volumen y frecuencias de cada una de las rolas de tu EP (Extended Play) o tu LP (Long Play), y el último paso antes de terminar el proceso de grabación da comienzo, El Master.

Para explicar de forma sencilla la masterización, piensa que si la mezcla es el bance de volumen y frecuencias de cada canción, la masterización es el balance de volumen y frecuencias entre las canciones de tu disco; es también en esta etapa donde se determina el orden final de las rolas, títulos de las canciones (incluida la ortografía) así como el título del disco.

¿Por qué necesitas Masterizar tus grabaciones?

El proceso de masterización es importante ya que es responsabilidad del ingeniero de masterización, el lograr que tu música suene bien, lo mismo en un equipo de alta fidelidad como en los audífonos de 50 pesos de San Juan de Dios, otro de los beneficios es que el ingeniero de masterización lograra que el volumen entre cada una de tus canciones sea consistente.

Algo que es importante resaltar es que la masterización es el último paso en el proceso de grabación, pero también es el vínculo entre el proceso de grabación y el proceso de distribución y si claro que están ligados ya que la forma de distribución (analógica o digital) determina el formato en que necesitas tus rolas

Si quiero “quemar” un CD ¿cuál es el formato que necesito?

Para el CD tienes 2 opciones, si la empresa es grande, probable mente te pidan formato DDP (Disc Description Protocol) no todos los estudios están habilitados para entregar este formato así que es importante preguntar si les es posible proveer este formato. Si lo que quieres es crear tus propios discos el formato que tienes que pedir al estudio es WAV, 44100 Hz y a 16 bits.

¿Qué hay de la distribución digital?

Actualmente la distribución digital en plataformas como Spotify, Apple Music, Deezzer y otras, es una de las formas más comunes de distribución de música, sin embargo es importante saber que cada plataforma tiene un formato optimizado, por lo que sería muy complicado pedir al estudio un archivo para cada plataforma por lo que la recomendación que nos da “Ian Shepherd” del sitio production advice es 16 bit 44.1khz WAV  ya que los “agregadores” como cdbaby tomaran este archivo y lo optimizarán para cada plataforma.

En conclusión la masterización es importante ya que es el último paso en el proceso de grabación, y es donde tienes que asegurarte que tu canción suena bien en la mayor cantidad de reproductores posibles, también es donde le das los toques finales a tu grabación en relación a nombres de las canciones y el título del EP o LP.

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Cada quien tiene su lugar conozcan el suyo.

La grabación ha terminado, y en caso de ser necesario, se ha realizado la edición de audio para ajustar detalles mínimos en tiempo y tono, y es ahora cuando el estudio realizará la mezcla de cada canción; este es un proceso complejo y sumamente técnico, pero, puede ser resumido de la siguiente forma.

La mezcla de es establecer el balance de los elementos de la canción, ¿Qué es lo que buscamos balancear?, pues en términos generales se busca realizar un bance entre frecuencias y volumen, es decir, que ningún instrumento opaque a otro instrumento, por ejemplo buscamos que el volumen de la batería no sea tan alto que no se pueda escuchar la letra que canta el vocalista, o bien, que las guitarras no se escuchen porque el bajo tiene mucho volumen.

Una cosa más, balance no significa que todo esté al mismo volumen, por ejemplo se han grabado guitarras eléctricas y guitarras acústicas, sin embargo, las guitarras acústicas, son sólo un soporte, y no juegan un papel principal en la canción, por lo que no tiene sentido que ambas guitarras estén al mismo volumen, el balance es realizado siempre en relación al objetivo emocional de la canción y la sección en cuestión, por lo que el volumen de las guitarras en relación al bajo puede variar dependiendo si es verso, coro, o puente.

Hablemos de las frecuencias.

Aquí la parte técnica, y aunque en estos artículos buscamos alejarnos de la parte técnica, en esta ocasión es necesario abordar un poco el tecnicismos para ayudarte como músico, no hablaremos de que son las frecuencias, pero hemos armado un pequeño esquema que nos ayude a entender el tema, entendamos las frecuencias como el tono de tu instrumento (si, incluida la batería).

frequencias

Como puedes ver en el esquema cada instrumento produce un rango de frecuencias, y estos rangos no son mutuamente excluyentes. En este ejemplo usaremos el bombo y el bajo, que son instrumentos que siempre viven en un empalme, y es lo que la mezcla de audio busca “resolver”.

A través de la ecualización el ingeniero de mezcla puede ayudar a que las frecuencias de un instrumento estén superpuestas a las mismas frecuencias de otro instrumento, siguiendo el ejemplo del bajo y el bombo, el ingeniero puede reducir una frecuencia del bombo (digamos 100 hrz) y para lograr que el bajo salga victorioso en este empalme de frecuencias.

¿Quién define estos des-empates?

Ojo, este es tu proyecto y tú eres el responsable de definir estos elemento, desde el momento de crear tus rolas necesitas estar consiente de estos empalmes entre instrumentos y definir quién es el que debe sobresalir, sin embargo si no comunicas esto, lo más probable es que sea el ingeniero de mezcla realice estas decisiones, en un artículo posterior hablaremos sobre los casos es que el hecho de que el ingeniero sea quien tome las decisiones puede ser algo bueno para tu proyecto.

¿Y qué hay del ambiente?

Finalmente, como banda necesitas estar consciente del ambiente donde se desarrolla tu rola, dependiendo del objetivo emocional podemos darnos una idea general del ambiente (reverberación) quieres una rola muy ambiental como si se escuchara lejana en una cueva, o en una nave industrial, buscan que sea percibida con muy poco eco, no olvides comunicar esto a los ingenieros, en muchos casos el género ayuda a determinar el ambiente, por ejemplo el punk se caracteriza por un sonido “seco”, mientras que el surf, se caracteriza por un sonido de spring-reverb. Lo importante es que esto sea comunicado para no encontrar sorpresas al recibir las revisiones con el estudio.

Cada estudio tiene un método para realizar las revisiones de mezcla, no olvides preguntar cuál es el proceso y cómo puedes tu externar tu opinión en cuanto a los balances realizados por el ingeniero de mezcla, pero sin una visión clara de cómo quieres que suenen tus rolas el proceso será largo y poco efectivo.

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La Magia no existe pero los milagros tampoco.

Edición- Que se puede y que no

La edición es el proceso para rescatar una buena interpretación con una leve variación en tiempo y /o Tono en su ejecución.

Suena muy rebuscado, sin embargo se refiere a algo muy simple. La grabación busca capturar la mejor interpretación con el menor número de errores en ejecución; busca capturar la interpretación más apasionada en donde la música transmita más, a pesar de contar con ciertos errores. Sin embargo todo tiene un costo.

La Música Perfecta.

Con el paso del tiempo y el desarrollo de la tecnología la ingeniería de sonido ha evolucionado, no solo con librerías de sonidos perfectos en tono y nota, sino también con las herramientas para modificar las ondas sonoras. Gracias a esto es posible apoyar la calidad de las grabaciones o incluso hacerlas completamente digitales.

Es importante destacar que el abuso de estos elementos tiene un impacto en la música, cada modificación que se realiza a la onda de audio tiene un impacto. Ya sea la modificación de tiempo, o la modificación de tono tiene un costo en la calidad del sonido ya que este está siendo modificado.

Es por eso que el músico debe ser capaz de entregar en la grabación la mejor interpretación posible junto con la mejor ejecución posible. Esto hace que entonces las herramientas de edición jueguen a su favor y logren realzar más esa interpretación. Sin embargo, cuando la ejecución es mala y se necesita hacer una corrección mayor en la edición, esta pierde algo de alma o de impacto, y es cuando comienza a sonar falso o forzado como la clásica voz de robot.

Hay que tomar la edición con mucha responsabilidad ya que es importante mantener un balance entre rescatar una buena interpretación a costa del alma de la canción…

Diferencia entre algo corregible y algo perfectible.

Es muy importante ser honesto a la hora de realizar nuestras interpretaciones y saber cuáles son nuestras limitantes. Esto dará las herramientas necesarias al ingeniero para tomar las decisiones adecuadas al momento de la grabación. Siempre, lo más importante es tratar de tener la mejor ejecución posible ya que de lo contrario caemos en el juego de corregir, y una vez entrando en este modelo se tratan de arreglar los problemas en edición que debieron ser corregidos en grabación. Los músicos más consolidados son capaces de entregar una excelente interpretación con una excelente ejecución, lo que los hace no preocuparse por corregir si no por perfeccionar. Y esto al momento de editar ayuda para realzar la calidad de la grabación y afectar muy poco la onda de sonido.

¿Cuál es el balance?

Según Dave Grohl en el documental “Sound City” la música es imperfecta y hay que respetar eso sin caer en la mediocridad. Es más importante capturar la interpretación de una banda en su conjunto cuando la comunicación entre sus miembros es unísona que capturar una interpretación y después modificarla artificialmente buscando la perfección. Es por que la magia no existe ya que si la interpretación de un músico, o si la misma música es mala, no importa que tanta edición se realice, esa interpretación no será valiosa; y los milagros tampoco existen ya que para corregir una mala ejecución el costo en la afectación de la onda de sonido es mayor que el beneficio obtenido por hacerlo.

Déjennos sus comentarios sobre este tema… Saludos BRS

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¿Cuándo DIY?

Las grabaciones DIY (Do It Yourself) han tenido un gran auge en los últimos años, y han probado ser un verdadera opción para todos los músicos. En los últimos años la tecnología ha avanzado mucho no solo en los micrófonos y las consolas sino también en los DAWs (Digital Audio Workstation). Y esto está demostrado en la gran variedad de música que está disponible actualmente. Sin embargo es importante resaltar algunos de los retos más importantes para lograr una grabación DIY de calidad.

Retos

  1. Inversión en capital para la adquisición del equipo y del software así como también la inversión en tiempo que se le tiene que dedicar en conocer el equipo y el funcionamiento del software.
  2. Cuanta experiencia se tiene como ingeniero de sonido, ya que el trabajo del ingeniero de Sonido es muy importante para una grabación de calidad, esto no es solo poner los micrófonos, si no saber en dónde ubicarlos y en qué ambiente realizar una grabación.
  3. experiencia en el proceso de Grabación. Conocer y entender los procesos y seguirlos para ejecutarlos de manera efectiva.

Entonces cuando es recomendable hacer el salto al DIY?

En base a la Experiencia que tenemos y a lo que hemos visto con diferentes bandas podemos recomendar que el cambio al DIY se haga después del 3er disco o grabación que se tenga y aquí están las razones por que:

 1ª  Grabación.

En tu primera grabación por lo general existe el miedo, o más bien el desconocimiento, el estudio es algo ajeno y es la primera vez que se tiene contacto con él. No estamos muy seguros de que hacer y qué no. En este momento la banda está en desarrollo, por lo general no tienen un sonido definido y en general está poco consolidada, algunos miembros se cambian etc…

Realmente no estas poniendo atención en lo que sucede en el estudio el enfoque es primordialmente en la ejecución y en asegurarse de que tu primera grabación este completa y se escuche decentemente.

2ª Grabación

La segunda Experiencia te da un poco más de seguridad ya que ahora conoces el ambiente y sabes que esperar en el proceso. Tu banda se encuentra más armada, posiblemente con mejor equipo  y sobre todo con un concepto más claro.

Es aquí cuando comienzas a poner más atención al proceso de grabación, en donde se utilizan los micrófonos, cuales son los que se utilizan, y que técnicas de micrófoneo se están utilizando. Sin embargo tiene muy poco claro el proceso de edición y de mezcla.

3ª Grabación.

Para la tercera grabación ya cuentas con buena experiencia. El estudio es algo conocido y no te sientes fuera del lugar. Sabes que esperar y sabes por qué suceden ciertas cosas en el proceso de grabación. Tu banda está más consolidada y es por lo general cuando cada quien tiene su sonido definido y aceptado. Incluso es momento de decidir si el cómo suenan es como quieren seguir sonando o si cambiaran pero esto solo demuestra una madures superior en tu banda.

La ejecución de los instrumentos deja de ser un problema y ahora el enfoque es mayor en la edición y grabación, tienes más preguntas y tienes más que nada un concepto claro de que transmitir, así que la colaboración con el ingeniero de sonido es mayor y por lo tanto la grabación es de mayor calidad. Ya entiendes como funciona una interface y un DAW para manipular las pistas.

Es después de estas experiencias que un salto al DIY puede ser benéfico ya que el producto final puede ser de buena calidad. Y esto no esta tan ligado con el hardware o software, si no que el concepto está más amarrado por lo tanto sabes que estás buscando cuando entras en un proyecto de esta naturaleza.

Con esto no decimos que no lo intentes, solamente creemos que para obtener los mejores resultados es mejor estar más preparado. E incluso estar más preparado siempre lleva consigo la prueba y error.

Déjennos sus comentarios, cual ha sido su Experiencia en el proceso DIY y que le comparten a la comunidad?… BRS

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El día ha llegado, a grabar!

El proceso de grabación como tal es muy directo, sin embargo hay algunos elementos que  vale la pena destacar.

Dentro de los procesos y métodos de grabación siempre existe la discusión: los análogos Vs digitales, y los sesión en vivo Vs sesión de Estudio. Hablemos un poco de cada uno.

Análogo.

Por lo general existe el concepto de que la grabación Análoga es de mayor calidad y que tiene un sonido mucho más cálido que la grabación digital. Lo cual es verdadero hasta cierto punto. La grabación análoga actual se refiere a la grabación  que se hace primordialmente en cinta.

Este método es recomendado cuando el número de integrantes de la banda es reducido, saturación no es tan grande, y los músicos tienen mucha experiencia y pericia  ya que el manejo de este elemento es físico, se expone a que el material se deteriore o se destruya. En cuestiones de disponibilidad, es complicado que después de una grabación uno pueda tener acceso a su cinta, a menos que la compres, y después tener acceso a la reproducción de la misma.

Actualmente la industria y los canales de distribución han evolucionado y casi en su totalidad son de manera digital así que aunque alguien decida realizar una grabación de manera análoga, eventualmente terminara realizando una transformación a la era digital.

Sin embargo a quien no le es atractivo probarse como músico y lanzarse el reto de hacerlo como las bandas de antes, las de verdad! Y aunque esto es un pensamiento más romántico, no dejemos de lado que la música en si también se compone de eso, de hecho así es como muchos comenzamos a tocar un instrumento por ese reto que representa hacerlo.

Digital.

La grabación digital ha recorrido un camino largo desde la primera ves que un disco fue transmitido en radio hasta que se han grabado y digitalizado instrumentos a nivel de notas perfectas. Desde que el tener acceso a un equipo digital que dependía de una computadora arcaica costaba cientos de miles de dólares, a las interfaces actuales que pueden costar solamente cientos o miles de pesos.

La tecnología y el software han tenido una gran evolución en los últimos 20 años, haciendo que ahora casi cualquier persona pueda realizar grabaciones digitales.

La grabación digital ofrece grandes ventajas como la flexibilidad, y el manejo de grandes volúmenes de información, con lo cual se pueden grabar muchas coas y consolidarlas, algo que para elementos análogos era más complejo de realizar. La reducción de costos también es una ventaja ya que actualmente las opciones son muchas y por tanto mas baratas. La distribución es mas rápida y mas estandarizada. Y  al momento de terminar una grabación, simplemente un USB puede ser suficiente para obtener tus archivos a la mas alta calidad disponible.

Sin embargo la democratización de la grabación conlleva otros retos que consideraremos en futuros artículos.

Las grabaciones en vivo (Live Session)

Estas ofrecen un proceso mucho más corto y sencillo sin embargo también hay mayor posibilidad de error y menos oportunidad de corrección.  Sin embargo esa vibra que solo se logra al grabar una banda interactuando en el escenario.

La Grabación de Estudio

Son las que generalmente se utilizan para realizar la grabación de un disco, y ofrece un mayor reto para los músicos sin embargo con esto también mayor calidad ya que al grabar a todos por separado el tiempo y el esfuerzo es mayor en cada uno de los instrumentos dando una grabación de mayor calidad y producción Sobre el proceso de estudio  se puede dar por un orden más o menos general, que implica grabar la batería, después  el bajo, siguiendo con la guitarra base o rítmica, después la guitarra líder o solo y finamente baterías y arreglos.

Siempre hay que llegar bien preparados a nuestras sesiones de grabación. Practicados y con nuestras canciones memorizadas. Esto lograra que le ejecución sea la mejor que se pueda lograr y por ende el producto final también sea el mejor.

Sabemos que es doloroso pero en este caso, durante las sesiones de grabación, el agua es preferible a la cerveza……

Ahora que ya los conocen ustedes decidan que es lo mejor para su proyecto.

Déjennos sus comentarios y opiniones para generar discusión.

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Antes de Grabar…

El grabar el trabajo que hemos estado desarrollando con nuestras bandas es algo que todos queremos hacer. Siempre está ese sentimiento de que tenemos algo interesante y nos gustaría compartirlo con los demás y sobre todo marcar esa caja en nuestra mente que dice “ Grabar un disco” Check!.

Antes de comenzar con este camino te damos las siguientes recomendaciones, así puedes estar seguro de que estas entrando al proceso de grabación de la mejor manera.

Existe una serie de elementos que conforman la pre producción, que  en si es el trabajo previo a entrar a grabar y como parte principal de este proceso primero hay que saber si nuestras canciones están listas y al nivel que necesitan, comunican lo que queremos decir y sobre todo, nos salen bien.

¿Cuál es el sentimiento de nuestra canción?

El primer paso es conocer nuestras canciones. No se trata de decir que una canción es feliz o triste sino ser mas especifico, ya que la tristeza se puede definir como Pena (que es poca tristeza), Tristeza o Melancolía (que es mucha tristeza). El punto es, ser capaces de posicionar nuestra canción en esos rangos de sentimiento y asegurarnos que todos en la banda están de acuerdo, esto quiere decir, que si la canción es melancólica, el bataco lo sabe y lo entiende así como las guitarras, el bajo y la voz. Etc. Ya que su interpretación tiene que ir ligada a ese sentimiento. No tener al bataco tocando con serenidad a los guitarristas tocando con ira y la voz cantando con melancolía. Sería como mezclar Jose José, Metallica y Enya.

Una vez que la canción está definida en su sentimiento hay que alinear los demás componentes de la  canción.

Tiempo – No correr si no se necesita.

El tiempo de la canción es importante para transmitir el mensaje y aunque hay una gran variedad de tiempos podemos decir que las baladas suelen ser lentas y el rock suele ser más rápido. Lo importante es buscar o confirmar que el ritmo de la canción aporta al mensaje sentimental que se seleccionó.

Estructura –  ¿Coro, Verso, Coro?

La estructura de una canción puede variar también dependiendo de que se esté buscando y así como hay canciones que pueden tener hasta 4 coros con solo dos versos hay canciones que pueden estar más elaboradas. Lo importante es que la estructura ayude a entender el mensaje de la canción es decir para una canción eufórica, seria llevar a la audiencia de la serenidad al éxtasis y como la estructura ayuda a lograr esto.

Rango de Tonos – tonos y acordes

Es muy importante conocer el tipo de acordes utilizados en la canción y asegurarse de que se están escogiendo los que estén aportando al sentimiento, si son acordes mayores o menores, etc.

Letras y tono de voz

La letra es muy importante ya que es lo más claro del mensaje que se entrega, así que es importante que esté alineada y lo mismo sucede con la voz, si la vos está ejecutando de manera que aporte al mensaje. El único ejemplo que se me viene a la mente donde música alegre y tono alegre se encuentre con letras tristes es el maestro Cri-Cri.

Selección adecuada de la Paleta de Sonidos.

Es importante que para el armado de la canción consideren si es adecuado para una canción usar un   limpio, una distorsión o un Fuse, cada uno de estos elementos aporta algo al mensaje de la canción y tenerlos y seleccionarlos adecuadamente ayudan a que el mensaje se entregue de mejor manera.

Finalmente – Practicar, Practicar, Practicar

Esto es fácil y se resume a: “ Mexicanos al grito de guerra……” tu conoces el resto, Si puedes hacer lo mismo con tu canción, estas del otro lado.

Esto no es un proceso fácil, pero seguramente ayudara a que les des una mirada diferente a tus canciones y llegues mejor preparado al estudio. Déjanos tus comentarios y experiencias al respecto!. BRS

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Grabación de Guitarras con GROLL

Llegaron Tempranito en la mañana Listos para grabar las Guitarras, por fortuna el día anterior que fue la grabación de Bajo, dejamos listos el amplificador para las guitarras base, en esta ocasión fue nuestro Confiable VOX Ad60.

Y mientras Edson, calentaba motores, terminamos de revisar el sonido para la guitarra principal, donde nos encontramos con un pequeño problema, al conectar el amplificador en la parte limpia se escuchaba muy ruidoso, (probablemente una bocina a punto de reventar) por lo que decidimos solamente manipular la pedalera y dejar el sonido casi listo, decidimos que se cambiaría el a la hora de grabar y revisaríamos si usar el vox o el Fender.

 

La grabación fue larga, sobre todo las guitarras base, ya que se grabó cada canción con 2 o tres tomas y con 2 guitarras diferentes por aquello de la famosa WALL OF SOUND. Cerca de las 2 de la tarde llegaron los refuerzos cortesía de Dominos Pizza. Y fue hasta las 7 de la noche que fue el turno de la guitarra Lider

 

Luego de un par de pruebas decidimos que se usaría el Fender Frontman 212r, El resto de la grabación fue rápida ya que se notó la práctica y el talento. Ya Sólo queda pendiente la grabación de voz y comenzar mezcla y master.

 

Ahora, a seguir practicando…

Groll, grabacion de Bajo

Este viernes por la noche se realizó la grabación de Bajo para el LP de Groll, la grabación comenzó con un poco de problemas, en realidad esto es de lo más normal, mientras los músicos se van a adaptando al nuevo ambiente y las condiciones de grabación, ya que el grabar es diferente de una práctica de ensayo, la presión es mayor y la forma en que se escucha es diferente ya que al no estar al lado del amplificador, ya que esté está en el cuarto de grabación, hace que el músico tome un par de canciones para adaptarse.

Fuera de esto la sesión de grabación fue mejorando con cada rola, al final el bajista logro una toma perfecta a la primera….

Cada quien tiene una curva de aprendizaje pero conforme para el tiempo y los nervios se van controlando todos logran un buen desempeño en el estudio.

Cuando estén en el estudio tomen su tiempo para adaptarse, y la comunicación es muy importante, no sólo con el ingeniero del estudio, pero también con los compañeros de banda, en esta ocasión el guitarrista tobe que acompañar al bajista con una guitarra acústica que le permitió terminar una toma complicada.

Bien por el trabajo de GROLL