Cada quien tiene su lugar conozcan el suyo.

La grabación ha terminado, y en caso de ser necesario, se ha realizado la edición de audio para ajustar detalles mínimos en tiempo y tono, y es ahora cuando el estudio realizará la mezcla de cada canción; este es un proceso complejo y sumamente técnico, pero, puede ser resumido de la siguiente forma.

La mezcla de es establecer el balance de los elementos de la canción, ¿Qué es lo que buscamos balancear?, pues en términos generales se busca realizar un bance entre frecuencias y volumen, es decir, que ningún instrumento opaque a otro instrumento, por ejemplo buscamos que el volumen de la batería no sea tan alto que no se pueda escuchar la letra que canta el vocalista, o bien, que las guitarras no se escuchen porque el bajo tiene mucho volumen.

Una cosa más, balance no significa que todo esté al mismo volumen, por ejemplo se han grabado guitarras eléctricas y guitarras acústicas, sin embargo, las guitarras acústicas, son sólo un soporte, y no juegan un papel principal en la canción, por lo que no tiene sentido que ambas guitarras estén al mismo volumen, el balance es realizado siempre en relación al objetivo emocional de la canción y la sección en cuestión, por lo que el volumen de las guitarras en relación al bajo puede variar dependiendo si es verso, coro, o puente.

Hablemos de las frecuencias.

Aquí la parte técnica, y aunque en estos artículos buscamos alejarnos de la parte técnica, en esta ocasión es necesario abordar un poco el tecnicismos para ayudarte como músico, no hablaremos de que son las frecuencias, pero hemos armado un pequeño esquema que nos ayude a entender el tema, entendamos las frecuencias como el tono de tu instrumento (si, incluida la batería).

frequencias

Como puedes ver en el esquema cada instrumento produce un rango de frecuencias, y estos rangos no son mutuamente excluyentes. En este ejemplo usaremos el bombo y el bajo, que son instrumentos que siempre viven en un empalme, y es lo que la mezcla de audio busca “resolver”.

A través de la ecualización el ingeniero de mezcla puede ayudar a que las frecuencias de un instrumento estén superpuestas a las mismas frecuencias de otro instrumento, siguiendo el ejemplo del bajo y el bombo, el ingeniero puede reducir una frecuencia del bombo (digamos 100 hrz) y para lograr que el bajo salga victorioso en este empalme de frecuencias.

¿Quién define estos des-empates?

Ojo, este es tu proyecto y tú eres el responsable de definir estos elemento, desde el momento de crear tus rolas necesitas estar consiente de estos empalmes entre instrumentos y definir quién es el que debe sobresalir, sin embargo si no comunicas esto, lo más probable es que sea el ingeniero de mezcla realice estas decisiones, en un artículo posterior hablaremos sobre los casos es que el hecho de que el ingeniero sea quien tome las decisiones puede ser algo bueno para tu proyecto.

¿Y qué hay del ambiente?

Finalmente, como banda necesitas estar consciente del ambiente donde se desarrolla tu rola, dependiendo del objetivo emocional podemos darnos una idea general del ambiente (reverberación) quieres una rola muy ambiental como si se escuchara lejana en una cueva, o en una nave industrial, buscan que sea percibida con muy poco eco, no olvides comunicar esto a los ingenieros, en muchos casos el género ayuda a determinar el ambiente, por ejemplo el punk se caracteriza por un sonido “seco”, mientras que el surf, se caracteriza por un sonido de spring-reverb. Lo importante es que esto sea comunicado para no encontrar sorpresas al recibir las revisiones con el estudio.

Cada estudio tiene un método para realizar las revisiones de mezcla, no olvides preguntar cuál es el proceso y cómo puedes tu externar tu opinión en cuanto a los balances realizados por el ingeniero de mezcla, pero sin una visión clara de cómo quieres que suenen tus rolas el proceso será largo y poco efectivo.

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El día ha llegado, a grabar!

El proceso de grabación como tal es muy directo, sin embargo hay algunos elementos que  vale la pena destacar.

Dentro de los procesos y métodos de grabación siempre existe la discusión: los análogos Vs digitales, y los sesión en vivo Vs sesión de Estudio. Hablemos un poco de cada uno.

Análogo.

Por lo general existe el concepto de que la grabación Análoga es de mayor calidad y que tiene un sonido mucho más cálido que la grabación digital. Lo cual es verdadero hasta cierto punto. La grabación análoga actual se refiere a la grabación  que se hace primordialmente en cinta.

Este método es recomendado cuando el número de integrantes de la banda es reducido, saturación no es tan grande, y los músicos tienen mucha experiencia y pericia  ya que el manejo de este elemento es físico, se expone a que el material se deteriore o se destruya. En cuestiones de disponibilidad, es complicado que después de una grabación uno pueda tener acceso a su cinta, a menos que la compres, y después tener acceso a la reproducción de la misma.

Actualmente la industria y los canales de distribución han evolucionado y casi en su totalidad son de manera digital así que aunque alguien decida realizar una grabación de manera análoga, eventualmente terminara realizando una transformación a la era digital.

Sin embargo a quien no le es atractivo probarse como músico y lanzarse el reto de hacerlo como las bandas de antes, las de verdad! Y aunque esto es un pensamiento más romántico, no dejemos de lado que la música en si también se compone de eso, de hecho así es como muchos comenzamos a tocar un instrumento por ese reto que representa hacerlo.

Digital.

La grabación digital ha recorrido un camino largo desde la primera ves que un disco fue transmitido en radio hasta que se han grabado y digitalizado instrumentos a nivel de notas perfectas. Desde que el tener acceso a un equipo digital que dependía de una computadora arcaica costaba cientos de miles de dólares, a las interfaces actuales que pueden costar solamente cientos o miles de pesos.

La tecnología y el software han tenido una gran evolución en los últimos 20 años, haciendo que ahora casi cualquier persona pueda realizar grabaciones digitales.

La grabación digital ofrece grandes ventajas como la flexibilidad, y el manejo de grandes volúmenes de información, con lo cual se pueden grabar muchas coas y consolidarlas, algo que para elementos análogos era más complejo de realizar. La reducción de costos también es una ventaja ya que actualmente las opciones son muchas y por tanto mas baratas. La distribución es mas rápida y mas estandarizada. Y  al momento de terminar una grabación, simplemente un USB puede ser suficiente para obtener tus archivos a la mas alta calidad disponible.

Sin embargo la democratización de la grabación conlleva otros retos que consideraremos en futuros artículos.

Las grabaciones en vivo (Live Session)

Estas ofrecen un proceso mucho más corto y sencillo sin embargo también hay mayor posibilidad de error y menos oportunidad de corrección.  Sin embargo esa vibra que solo se logra al grabar una banda interactuando en el escenario.

La Grabación de Estudio

Son las que generalmente se utilizan para realizar la grabación de un disco, y ofrece un mayor reto para los músicos sin embargo con esto también mayor calidad ya que al grabar a todos por separado el tiempo y el esfuerzo es mayor en cada uno de los instrumentos dando una grabación de mayor calidad y producción Sobre el proceso de estudio  se puede dar por un orden más o menos general, que implica grabar la batería, después  el bajo, siguiendo con la guitarra base o rítmica, después la guitarra líder o solo y finamente baterías y arreglos.

Siempre hay que llegar bien preparados a nuestras sesiones de grabación. Practicados y con nuestras canciones memorizadas. Esto lograra que le ejecución sea la mejor que se pueda lograr y por ende el producto final también sea el mejor.

Sabemos que es doloroso pero en este caso, durante las sesiones de grabación, el agua es preferible a la cerveza……

Ahora que ya los conocen ustedes decidan que es lo mejor para su proyecto.

Déjennos sus comentarios y opiniones para generar discusión.

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