El nuevo “Name of the Game” en la música.

Esta vez tenemos un artículo corto, en seguimiento a nuestra última aportación sobre audio en vivo,  ahora veamos el tema de tu show, y es muy común que las bandas que recién comienzan con su proyecto musical, estén enfocados en crear música, que es perfectamente válido, si embargo en esto hay algo escondido, el hecho de pensar que la banda tiene que crear música implica también esperar que sus seguidores estén solamente buscando “música”, pensar de esta manera limita el crecimiento del proyecto.

¿Por qué?

Bueno es tan simple como si lo que piensas es que el objetivo de tu banda es crear música y esperar que las personas te escuchen y eso es todo que con eso ambas necesidades están satisfechas. Si se piensa de esta manera se dejan de lado las tocadas, y los shows que también son muy importantes para todas las bandas. En esta era de música digital, el público no está interesado en “gastar” dinero para  comprar música, y si el enfoque original es solamente esto…. de alguna manera condena el proyecto al fracaso.

¿Entonces que se puede hacer?

Para ilustrar esto voy a hacer una comparación de un modelo exitoso. Hasta hace unos años, las personas estaban dispuestas a gastar dinero en comprar películas en DVD o Blue Ray, pero ahora es mucho menos común que la personas gasten su dinero en ellos lo que nos lleva al famoso caso de la quiebra de BlockBuster, ¿Por qué se fue a la banca rota?, simple, por que vendían películas, un producto por el las personas ya no están dispuestas a gastar, ahora veamos a Netfix, su visión menciona lo siguiente “Convertirse en el mejor servicio de distribución global de entretenimiento, a través de contenido original y licenciamiento” como puedes ver ellos no venden películas, venden entretenimiento.

 Es fundamental que tu proyecto no se vea limitado a la música, tu proyecto tiene que ser más completo, y si lo que “vendes” a tus seguidores es entretenimiento, esto te puede generar muchas oportunidades, como live streams, shows o tocadas, incluso un blog donde le hables a tus fans de cómo están preparando las nuevas rolas, o crear un video “detrás de cámaras” del proceso de grabación de tu EP, todo esto es ofrecer entreteniendo a tus seguidores, sólo asegúrate de tener un plan de como entregar este contenido a tus seguidores, y tener una forma de medir a cual contenido responde mejor tu base de seguidores para poder ofrecer contenido similar.

Esto conlleva dedicar tiempo no solo a la creación de música, si no a la creación de un concepto completo que englobe tu proyecto. La misma atención y dedicación que se requiere para crear canciones se tiene que tener para comunicar y entretener, definir tus shows y tus estrategias en redes sociales.

Posiblemente la música de RAMSTEIN no sea la que más disfrutemos incluso pocos saben algún nombre de sus canciones, pero a nadie se le olvida que el tipo se prende fuego en el escenario! ; O posiblemente U2 no sea la mejor banda del mundo sin embargo todos saben que sus shows son de los mejores.

Así como Foo Fighters dedica una buena parte de su tiempo a la edición de videos documentales sobre música en donde hablan de sus álbumes y experiencias..

En esta era, las canciones son sólo el pretexto, y el nuevo “name of the game” es Entretenimiento. Y tu ¿qué ofreces?

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Mejora tu audio en vivo.

Hoy nos ponemos en el lugar del público y creo que todos hemos experimentado la situación donde una banda que toca en vivo, digamos en un bar o una sala de concierto pequeña,  comienza con su set, y las primeras rolas suenan increíble, pero conforme pasa el show el audio de la banda “se desmorona”, simplemente y las ultimas rolas ya no suenan tan chido como las primeras, pero en su contraparte, ves como los integrantes de la banda están súper nerviosos en las primeras rolas pero, al llegar a las ultimas rolas a pesar de que el audio esta hecho un desastre la banda está disfrutando su espectáculo conectan con la audiencia y en teoría las coas tendrían que estar en su mejor momento.

¿Cómo llegamos a este punto?

La respuesta corta es, fatiga de escucha, o como el término en inglés “ear fatige”, lo que hemos visto de forma recurrente es el siguiente escenario, antes de comenzar el evento, la banda llega y hace su sound check, llega el momento de comenzar con el show, durante las primeras rolas el público escucha el buen trabajo que se realizó durante el sound check y el balance de los instrumentos está bien realizado, sin embargo, como lo comentamos, los miembros de la banda están nerviosos, y al no contar con un sistema de monitores que les permita escucharse a ellos mismos, o a los otros integrantes de la banda, comienza uno de los principales problemas, la manipulación del audio post sound check, el escenario más común es cuando el ampli del bajo está del lado izquierdo del escenario y el guitarrista rítmico está frente a la batería, y el bombo no le permite escuchar el bajo, por lo que le pide al bajo que le suba a su ampli para poder guiarse, pero ahora el guitarrista líder no se escucha a el mismo, y para la tercera rola le sube a su ampli para poder escucharse el mismo, este círculo de no te escucho, bájale, o  no me escucho y le subo a mi sonido, curre toda la noche, y para el final del show, es un caos.

¿Cuál es la solución?

En realidad este problema se puede resolver de dos maneras, la primera es la más costosa y es el adquirir una pequeña consola donde se pueda distribuir el audio  a todos (sistema de monitores), y si bien esta es la opción más costosa, también es la que recomendamos, ya de alguna forma obliga a que la banda cuente con un ingeniero de audio, esto le permite a la banda el concentrarse en su show y no en lidiar con los  problemas de audio, además permite que el ingeniero se encargue de que el audio en el lugar sea optimo y sólo él debe de mover el volumen de los instrumentos,  (toma en cuenta que esta figura siempre puede ser un amigo que le guste el audio y tenga un buen oído, no necesita ser ingeniero profesional),

La segunda opción es mucho más simple, una vez establecido el balance de los instrumentos en el sound check, no está permitido que nadie le mueva a los instrumentos, ¿y si las cosas no van bien? Aquí la solución es tener a un amigo que sepa escuchar la banda y sea él quien, este entre el público y le indique a la banda si el balance está bien o se necesita subirle a algún instrumento o, aún mejor, bajarle a un instrumento, ¿pero si no escucho bien en escenario? La solución es muy simple, muévete de lugar, si estoy tocando y no escucho el bajo en una parte, pues caminó un poco hasta que tenga la referencia que estoy buscando, esto es un gran ejercicio para la banda ya que les perime desarrollar la habilidad de escuchar a los otros integrantes de la banda antes de tener la necesidad de escucharse a ellos mismos.

Con estos consejos podrás tener un mejor show y también desarrollas habilidades que son importantes para el crecimiento de tu proyecto.

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Al Pan Pan y al Vino Vino

En esta ocasión nos gustaría hablar con ustedes sobre algunos términos que están íntimamente relacionados y por error se utilizan indistintamente, sin embargo tienen significados diferentes y es importante entender sus diferencias para entender cuando utilizar cada uno.

Industria Musical.

Es la conformada por las empresas e individuos que ganan dinero creando, divulgando y vendiendo música.
Entendamos entonces que dentro de la industria de la música se encuentran las empresas e individuos que permiten que la música exista y sea comercializada, desde los artistas, que crean las canciones, los estudios de grabación, que permiten el posterior consumo de la música, pero también la existencia de productores, músicos de sesión, los ingenieros de mezcla y master.
En relación a la distribución, las casas de discos como Mixup y Mr CD (entre otras), quienes ponen la música al alcance de los consumidores y fans. En lo que respecta a la música en vivo, hay varias figuras involucradas en la industria musical, de parte del artista tenemos a los managers, boockers y roadies de los artistas, de parte de los venues tenemos, venues y lo necesario para crear un evento, ingeniero de sala, ingeniero de monitores, management entre otros. Por ultimo individuos que están alrededor del artista con una función administrativa como pueden ser abogados, contadores y administradores.

Como puedes ver, hablando en términos locales (Guadalajara) contamos con una industria desarrollada, no estamos hablando de accesibilidad en este punto, pero si podremos decir que hay estudios de grabación para casi cualquier presupuesto, así como equipos de trabajo pagados y donde la banda cubre estas funciones, venues los hay, unos mejores que otros, pero en Guadalajara existen las condiciones necesarias para afirmar que existe una industria musical y esta está en buen estado.

Escena musical.

Espacio local en el cual surge o es apropiado un estilo musical específico.
Como podemos ver la parte clave de este término es un espacio físico, así que es un espacio donde se encuentran varias bandas del mismo género, por ejemplo puede ser un lugar donde de forma regular encuentras bandas del mismo género, un ejemplo es el de un bar donde se presentan bandas de rock, y personas externas piensan en ese lugar para escuchar música de un cierto género.
Para tu banda esto es importante ya que es uno de los lugares donde puedes hacer Networking y encontrar bandas similares a la tuya y entre los dos compartir gastos para tocar fuera de la ciudad.

Movimiento musical.

Conjunto de proyectos musicales con características en común, que logran generar sinergia en una comunidad cobrando reconocimiento y aceptación de esta y otras comunidades
En 1994 el movimiento de “La Avanzada Regia” tenía dominado el terreno musical de prácticamente toda la república, nos llegaban los disco de: Zurdok, Plastilina Mosh, Panda, Jumbo, Control Machete, Kinky, y Volován para inundárnos el panorama como escuchas, lo que provocó un resurgimiento en Guadalajara, que más que una competencia, pretendían ir hombro con hombro para generar un movimiento aún mayor.
La Frecuencia Tequila, fue el nombre que denominó al movimiento de bandas tapatías. un camino que comenzó a labrarse en Guadalajara, las bandas que permanecían segregadas lograron entablar un acuerdo, el cual llevaba implícito el comenzar de nuevo bajo la premisa de unirse y lograr una presencia con más impacto dentro de los oídos de México, algunas bandas que sobresalieron fueron Disidente, Fósforo Club, Plasiko, Sussie 4, Joly, Bulbo (ahora Becker), Enter, Plan Fuga, Fonoz, Innova, Pito Pérez, Belanova entre otras. Con el pie derecho iniciaron a producir espectativas en la prensa, los medios de radio y televisión y sobre todo el público, que estaba volteando y contagiándose de música tapatía.

Así que ya conocen un poco mejor la terminología utilizada, reconozcan sus oportunidades cuando las vean y ayuden a desarrollar cada una de ellas, des de los movimientos y las escenas musicales, esto hace que Guadalajara continúe teniendo una industria en buen estado y en desarrollo.

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¡Si, También la batería se afina!

Con este articulo comenzamos una nueva serie relacionada a los errores que por lo general se tienen al entrar al estudio, con esto buscamos que las bandas tomen en cuenta estos detalles para que su tiempo en el estudio sea más efectivo y les de mejores resultados.

Hablemos sobre la batería.

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Por lo general un guitarrista o bajista cambia sus cueras en promedio 3 veces por año, pero baterista.. ¿Hace cuánto tiempo no cambias tus parches? ¿Estás pensando entrar al estudio con esos parches que traía tu batería cuando la compraste? O mejor aún que están llenos de mellas que por cierto se quitan con una secadora de cabello…

A pesar de creer que la batería solamente es un instrumento de base, juega un papel muy importante al momento de grabar, y es importante que esté integrada a la banda. Como tal también necesita de mantenimiento y de afinación.

Para que tu batería se integre mejor a tu banda considera que tipos de parches deberías utilizar al momento de grabar. Todo tiene una vida útil y aunque hay de todos los rangos de precios, en ocasiones vale la pena invertir en parches de muy buena calidad que le ayudaran a tu banda a sonar mejor.

Si no tienes una idea sobre como suenan diferentes parches lee nuestro articulo previo sobre aprovechar las ventajas que ofrecen las salas de ensayo para encontrar estas diferencias, como todo mientras más referencias tengas mejor será tu decisión.

Tomate tu tiempo para dar un mantenimiento profundo a tus shells, esto lo puedes hacer una vez al año, quitar tus parches revisar tus lugs y tornillos para asegurarte que todo está en orden, ya que en ocasiones un rechinido de un tornillo o una unión se puede meter a tu sonido. Y el problema luego es encontrarlo para arreglarlo.

Unas ves que tu batería esta lista desde el punto de vista de mantenimiento y parches… ahora hay que afinar. Como todos los instrumentos, La batería se afina, sin embargo a diferencia de una guitarra o un bajo, sería muy complicado estar afinando tu batería para cada canción. Así que es importante buscar una afinación que sea compatible con la mayoría de las canciones de tu banda. Por lo general una afinación en DO o C es la más común. Esto no significa que todos tus tambores estén afinados en esa nota, si no que sea tu nota base para afinación. Y de ahí afines tus demás tambores en cada intervalo ya sea el propuesto o en base a tu decisión.

Para realizar tu afinación puedes hacerlo de diferentes maneras, y afortunadamente la tecnología ofrece opciones mas variadas para esto. Actualmente puedes hacerlo por oído, utilizando un afinador especializado, o con aplicaciones enfocadas a esto.

La afinación por oído.

Esta puede ser complicada si no se tiene el conocimiento y puede tener muchas variaciones.

La afinación utilizando equipo especializado.

Tune-Bolt y Cherub DT10 – Afinadores Digitales que provee afinación por frecuencia o por nota

DrumDial y torke Key – Afinador análogo que mide  y ajusta la tensión del parche

DrumTune PRO – Afinador digital utlizando el teléfono celular.

puedes utilizar una mezcla de estos, que te de la posibilidad de tener guardadas tus configuraciones y después ejecutarlas. siempre es importante estar a tono con la banda y sobre todo llegar al estudio con tus tambores afinados, así el ingeniero de sonido puede utilizar el tiempo en como hacer que tu banda suene mejor en otros aspectos que en la afinación.

dejen sus comentarios, ¿cual es el afinador de su preferencia? ¿cual es el parche con el que tocan mas a gusto? ¿que marcas prefieren? etc.

Los Productores

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Dentro de la industria musical existen diferentes figuras que tienen gran influencia, desde los músicos hasta los grandes empresarios, sin embargo existe una figura que tiene una trascendencia superior desde el punto de vista del poder – El productor.

Los productores se  pueden encargar de diferentes tareas que van desde reunir las ideas del proyecto y fomentar la creatividad, hasta controlar las sesiones de grabación, instruir o guiar a los intérpretes, supervisar la grabación, la mezcla y participar en el proceso de masterización. Sin embargo ahora los productores también han tenido un mayor rol desde el punto de vista empresarial.

Los productores pueden ser musicales o ejecutivos, siendo los musicales quienes se encargan más del desarrollo de la música y los ejecutivos enfocados en las finanzas de todo  el álbum. Sin embargo hablando  productores y su forma de trabajar podemos tratar de definirlos en 3 tipos.

El Productor Libre.

Este es un productor que se involucra muy poco en el proceso creativo de la banda, por lo general coordina sesiones y posiblemente escoja el estudio, sin embargo no se involucra en el proceso. Este tipo de productor busca ofrecerle a la banda todo lo que sea necesario para que tenga un proceso creativo exitoso, y no es hasta que se están obteniendo resultados que el comienza a involucrarse. Es ahí donde ofrece una guía y opinión. Cabe  destacar que el productor tiene la última palabra sobre que va y que no. Estos productores suelen trabajar con bandas consolidadas, que tienen experiencia y un sonido propio, sin embargo necesitan una opinión de autoridad sobre que puede o no funcionar.

Un gran ejemplo de este tipo de producción es Rick Rubin. Rick es un veterano de la industria, varias veces ganador del Grammy, famoso por su trabajo en diferentes estilos como el Rap y Heavy Metal. Fue nombrado el productor más importante de los últimos 20 años y uno de las 100 personas más influyentes en el mundo por la revista time en el 2007.

Rick ha colaborado con grandes bandas como Run D.M.C, Slayer, Red hot chilli Peppers, AC/DC, Jonny Cash, Tom Petty, Smashing Pumpkins, System of a down, Krishna Das, The Mars Volta, Jay-Z, Slipknot, Weezer, Shakira, Sheryl Crow, Justin Timberlake, U2, Metallica, Pete Yorn, Neil Diamond, Lady Gaga, Eminem, Ed Sheeran entre otros.

A continuación puedes escuchar un extracto de su amplio trabajo que muestra lo variado de estilos y lo grande que ha sido su influencia.

 

El productor de Semi control

Este tipo de productor es un poco más involucrado que el productor libre. Es un productor que participa más en el proceso creativo apoyando y guiando a las bandas. Por lo general estos productores tienen ideas muy precisas sobre como influir en la creación de un álbum, sin embargo dejan que las bandas se guíen por si mismas. Trabajan con bandas consolidadas que los buscan ya que les gusta trabajar con cierta dirección y necesitan influencias dentro de su proceso creativo.

Un ejemplo de este tipo de productor es Brendan O’Brien. Un nombre muy relevante durante la década de los noventas, gran propulsor de bandas con un gran crecimiento en el movimiento Grunge que supo encontrar los sonidos correctos para influenciar a millones de personas.

Ha trabajado con grandes bandas como : Stomp Temple Pilots, Pearl Jam, Rage Against the Machine, Limp Bizkit, KoRn, the Offspring, Train, Incubus, the Wall flowers, Audioslave, Arosmith, my Chemical Romance.

A continuación una selección de musica producida por Brendan.    Tip para escuchar: ¿Que tienen en común Pearl Jam, Stone Temple Pilots,  koRn y Audio Slave en esta lista de reproducción? R: utilizan el mismo sonido en la tarola…. Cortesía del señor O´Brien.

 

El Productor de sonido propio.

Este Tipo de productor es muy particular. Es un productor que se involucra muchas veces hasta dentro del proceso creativo de las bandas teniendo una influencia fuerte sobre lo que debe ser el resultado. Tienen ideas muy profundas y arraigadas sobre cómo debe sonar la producción. Por lo general son productores muy enfocados a un particular estilo y tienen vasta experiencia en el mismo. Las bandas suelen buscar a este tipo de productores cuando tienen claro que están buscando pero necesitan ayuda para llegar ahí, es decir, una banda sabe que quiere hacer un álbum que suene diferente a lo que han hecho antes y necesita una guía para lograrlo.

Un ejemplo de este tipo de productores es Joseph Henry Alias T-Bone Burnett, productor americano de una estatura cercana a los 2 metros, fue guitarrista de Bob Dylan y además de dedicarse a la producción es comisionado por la Biblioteca nacional de los Estados Unidos para recolectar y curar todo el bagaje musical del país (particularmente las primeras grabaciones), algo que ha influenciado significativamente sus producciones.

T-Bone ha colaborado con diferentes bandas entre las mas destacadas estan The corrs, Elton John, Diana Krlall, Lisa Marie Presley, Elvis Costelo,  Jacob Dylan, B.B King, Robert Plant, Gregg Allman, Natalie Merchant, Wallflowers, Counting Crows, Los Lobos, ademas de proyectos para TV y cine como sountracks para The Hunger Games, Cold Mountain y Great balls of fire! Entre otras.

Aquí una muestra del trabajo de T-Bone, quien siempre logra darle un estilo vintage 50’s 60’s así como tonos campiranos a sus producciones.

 

Estas personas son algunas de las más importantes en la música pero no solo eso, su poder se extiende hasta tus oídos. El poder que ellos tienen y ejercen es el definir, aceptar o rechazar lo que tú vas a escuchar…. ¿Cuantas canciones han quedado en el tintero que hubieran tenido un gran éxito pero excluidas por personajes como estos?.

 

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Cada quien tiene su lugar conozcan el suyo.

La grabación ha terminado, y en caso de ser necesario, se ha realizado la edición de audio para ajustar detalles mínimos en tiempo y tono, y es ahora cuando el estudio realizará la mezcla de cada canción; este es un proceso complejo y sumamente técnico, pero, puede ser resumido de la siguiente forma.

La mezcla de es establecer el balance de los elementos de la canción, ¿Qué es lo que buscamos balancear?, pues en términos generales se busca realizar un bance entre frecuencias y volumen, es decir, que ningún instrumento opaque a otro instrumento, por ejemplo buscamos que el volumen de la batería no sea tan alto que no se pueda escuchar la letra que canta el vocalista, o bien, que las guitarras no se escuchen porque el bajo tiene mucho volumen.

Una cosa más, balance no significa que todo esté al mismo volumen, por ejemplo se han grabado guitarras eléctricas y guitarras acústicas, sin embargo, las guitarras acústicas, son sólo un soporte, y no juegan un papel principal en la canción, por lo que no tiene sentido que ambas guitarras estén al mismo volumen, el balance es realizado siempre en relación al objetivo emocional de la canción y la sección en cuestión, por lo que el volumen de las guitarras en relación al bajo puede variar dependiendo si es verso, coro, o puente.

Hablemos de las frecuencias.

Aquí la parte técnica, y aunque en estos artículos buscamos alejarnos de la parte técnica, en esta ocasión es necesario abordar un poco el tecnicismos para ayudarte como músico, no hablaremos de que son las frecuencias, pero hemos armado un pequeño esquema que nos ayude a entender el tema, entendamos las frecuencias como el tono de tu instrumento (si, incluida la batería).

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Como puedes ver en el esquema cada instrumento produce un rango de frecuencias, y estos rangos no son mutuamente excluyentes. En este ejemplo usaremos el bombo y el bajo, que son instrumentos que siempre viven en un empalme, y es lo que la mezcla de audio busca “resolver”.

A través de la ecualización el ingeniero de mezcla puede ayudar a que las frecuencias de un instrumento estén superpuestas a las mismas frecuencias de otro instrumento, siguiendo el ejemplo del bajo y el bombo, el ingeniero puede reducir una frecuencia del bombo (digamos 100 hrz) y para lograr que el bajo salga victorioso en este empalme de frecuencias.

¿Quién define estos des-empates?

Ojo, este es tu proyecto y tú eres el responsable de definir estos elemento, desde el momento de crear tus rolas necesitas estar consiente de estos empalmes entre instrumentos y definir quién es el que debe sobresalir, sin embargo si no comunicas esto, lo más probable es que sea el ingeniero de mezcla realice estas decisiones, en un artículo posterior hablaremos sobre los casos es que el hecho de que el ingeniero sea quien tome las decisiones puede ser algo bueno para tu proyecto.

¿Y qué hay del ambiente?

Finalmente, como banda necesitas estar consciente del ambiente donde se desarrolla tu rola, dependiendo del objetivo emocional podemos darnos una idea general del ambiente (reverberación) quieres una rola muy ambiental como si se escuchara lejana en una cueva, o en una nave industrial, buscan que sea percibida con muy poco eco, no olvides comunicar esto a los ingenieros, en muchos casos el género ayuda a determinar el ambiente, por ejemplo el punk se caracteriza por un sonido “seco”, mientras que el surf, se caracteriza por un sonido de spring-reverb. Lo importante es que esto sea comunicado para no encontrar sorpresas al recibir las revisiones con el estudio.

Cada estudio tiene un método para realizar las revisiones de mezcla, no olvides preguntar cuál es el proceso y cómo puedes tu externar tu opinión en cuanto a los balances realizados por el ingeniero de mezcla, pero sin una visión clara de cómo quieres que suenen tus rolas el proceso será largo y poco efectivo.

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La Magia no existe pero los milagros tampoco.

Edición- Que se puede y que no

La edición es el proceso para rescatar una buena interpretación con una leve variación en tiempo y /o Tono en su ejecución.

Suena muy rebuscado, sin embargo se refiere a algo muy simple. La grabación busca capturar la mejor interpretación con el menor número de errores en ejecución; busca capturar la interpretación más apasionada en donde la música transmita más, a pesar de contar con ciertos errores. Sin embargo todo tiene un costo.

La Música Perfecta.

Con el paso del tiempo y el desarrollo de la tecnología la ingeniería de sonido ha evolucionado, no solo con librerías de sonidos perfectos en tono y nota, sino también con las herramientas para modificar las ondas sonoras. Gracias a esto es posible apoyar la calidad de las grabaciones o incluso hacerlas completamente digitales.

Es importante destacar que el abuso de estos elementos tiene un impacto en la música, cada modificación que se realiza a la onda de audio tiene un impacto. Ya sea la modificación de tiempo, o la modificación de tono tiene un costo en la calidad del sonido ya que este está siendo modificado.

Es por eso que el músico debe ser capaz de entregar en la grabación la mejor interpretación posible junto con la mejor ejecución posible. Esto hace que entonces las herramientas de edición jueguen a su favor y logren realzar más esa interpretación. Sin embargo, cuando la ejecución es mala y se necesita hacer una corrección mayor en la edición, esta pierde algo de alma o de impacto, y es cuando comienza a sonar falso o forzado como la clásica voz de robot.

Hay que tomar la edición con mucha responsabilidad ya que es importante mantener un balance entre rescatar una buena interpretación a costa del alma de la canción…

Diferencia entre algo corregible y algo perfectible.

Es muy importante ser honesto a la hora de realizar nuestras interpretaciones y saber cuáles son nuestras limitantes. Esto dará las herramientas necesarias al ingeniero para tomar las decisiones adecuadas al momento de la grabación. Siempre, lo más importante es tratar de tener la mejor ejecución posible ya que de lo contrario caemos en el juego de corregir, y una vez entrando en este modelo se tratan de arreglar los problemas en edición que debieron ser corregidos en grabación. Los músicos más consolidados son capaces de entregar una excelente interpretación con una excelente ejecución, lo que los hace no preocuparse por corregir si no por perfeccionar. Y esto al momento de editar ayuda para realzar la calidad de la grabación y afectar muy poco la onda de sonido.

¿Cuál es el balance?

Según Dave Grohl en el documental “Sound City” la música es imperfecta y hay que respetar eso sin caer en la mediocridad. Es más importante capturar la interpretación de una banda en su conjunto cuando la comunicación entre sus miembros es unísona que capturar una interpretación y después modificarla artificialmente buscando la perfección. Es por que la magia no existe ya que si la interpretación de un músico, o si la misma música es mala, no importa que tanta edición se realice, esa interpretación no será valiosa; y los milagros tampoco existen ya que para corregir una mala ejecución el costo en la afectación de la onda de sonido es mayor que el beneficio obtenido por hacerlo.

Déjennos sus comentarios sobre este tema… Saludos BRS

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¿Cuándo DIY?

Las grabaciones DIY (Do It Yourself) han tenido un gran auge en los últimos años, y han probado ser un verdadera opción para todos los músicos. En los últimos años la tecnología ha avanzado mucho no solo en los micrófonos y las consolas sino también en los DAWs (Digital Audio Workstation). Y esto está demostrado en la gran variedad de música que está disponible actualmente. Sin embargo es importante resaltar algunos de los retos más importantes para lograr una grabación DIY de calidad.

Retos

  1. Inversión en capital para la adquisición del equipo y del software así como también la inversión en tiempo que se le tiene que dedicar en conocer el equipo y el funcionamiento del software.
  2. Cuanta experiencia se tiene como ingeniero de sonido, ya que el trabajo del ingeniero de Sonido es muy importante para una grabación de calidad, esto no es solo poner los micrófonos, si no saber en dónde ubicarlos y en qué ambiente realizar una grabación.
  3. experiencia en el proceso de Grabación. Conocer y entender los procesos y seguirlos para ejecutarlos de manera efectiva.

Entonces cuando es recomendable hacer el salto al DIY?

En base a la Experiencia que tenemos y a lo que hemos visto con diferentes bandas podemos recomendar que el cambio al DIY se haga después del 3er disco o grabación que se tenga y aquí están las razones por que:

 1ª  Grabación.

En tu primera grabación por lo general existe el miedo, o más bien el desconocimiento, el estudio es algo ajeno y es la primera vez que se tiene contacto con él. No estamos muy seguros de que hacer y qué no. En este momento la banda está en desarrollo, por lo general no tienen un sonido definido y en general está poco consolidada, algunos miembros se cambian etc…

Realmente no estas poniendo atención en lo que sucede en el estudio el enfoque es primordialmente en la ejecución y en asegurarse de que tu primera grabación este completa y se escuche decentemente.

2ª Grabación

La segunda Experiencia te da un poco más de seguridad ya que ahora conoces el ambiente y sabes que esperar en el proceso. Tu banda se encuentra más armada, posiblemente con mejor equipo  y sobre todo con un concepto más claro.

Es aquí cuando comienzas a poner más atención al proceso de grabación, en donde se utilizan los micrófonos, cuales son los que se utilizan, y que técnicas de micrófoneo se están utilizando. Sin embargo tiene muy poco claro el proceso de edición y de mezcla.

3ª Grabación.

Para la tercera grabación ya cuentas con buena experiencia. El estudio es algo conocido y no te sientes fuera del lugar. Sabes que esperar y sabes por qué suceden ciertas cosas en el proceso de grabación. Tu banda está más consolidada y es por lo general cuando cada quien tiene su sonido definido y aceptado. Incluso es momento de decidir si el cómo suenan es como quieren seguir sonando o si cambiaran pero esto solo demuestra una madures superior en tu banda.

La ejecución de los instrumentos deja de ser un problema y ahora el enfoque es mayor en la edición y grabación, tienes más preguntas y tienes más que nada un concepto claro de que transmitir, así que la colaboración con el ingeniero de sonido es mayor y por lo tanto la grabación es de mayor calidad. Ya entiendes como funciona una interface y un DAW para manipular las pistas.

Es después de estas experiencias que un salto al DIY puede ser benéfico ya que el producto final puede ser de buena calidad. Y esto no esta tan ligado con el hardware o software, si no que el concepto está más amarrado por lo tanto sabes que estás buscando cuando entras en un proyecto de esta naturaleza.

Con esto no decimos que no lo intentes, solamente creemos que para obtener los mejores resultados es mejor estar más preparado. E incluso estar más preparado siempre lleva consigo la prueba y error.

Déjennos sus comentarios, cual ha sido su Experiencia en el proceso DIY y que le comparten a la comunidad?… BRS

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El día ha llegado, a grabar!

El proceso de grabación como tal es muy directo, sin embargo hay algunos elementos que  vale la pena destacar.

Dentro de los procesos y métodos de grabación siempre existe la discusión: los análogos Vs digitales, y los sesión en vivo Vs sesión de Estudio. Hablemos un poco de cada uno.

Análogo.

Por lo general existe el concepto de que la grabación Análoga es de mayor calidad y que tiene un sonido mucho más cálido que la grabación digital. Lo cual es verdadero hasta cierto punto. La grabación análoga actual se refiere a la grabación  que se hace primordialmente en cinta.

Este método es recomendado cuando el número de integrantes de la banda es reducido, saturación no es tan grande, y los músicos tienen mucha experiencia y pericia  ya que el manejo de este elemento es físico, se expone a que el material se deteriore o se destruya. En cuestiones de disponibilidad, es complicado que después de una grabación uno pueda tener acceso a su cinta, a menos que la compres, y después tener acceso a la reproducción de la misma.

Actualmente la industria y los canales de distribución han evolucionado y casi en su totalidad son de manera digital así que aunque alguien decida realizar una grabación de manera análoga, eventualmente terminara realizando una transformación a la era digital.

Sin embargo a quien no le es atractivo probarse como músico y lanzarse el reto de hacerlo como las bandas de antes, las de verdad! Y aunque esto es un pensamiento más romántico, no dejemos de lado que la música en si también se compone de eso, de hecho así es como muchos comenzamos a tocar un instrumento por ese reto que representa hacerlo.

Digital.

La grabación digital ha recorrido un camino largo desde la primera ves que un disco fue transmitido en radio hasta que se han grabado y digitalizado instrumentos a nivel de notas perfectas. Desde que el tener acceso a un equipo digital que dependía de una computadora arcaica costaba cientos de miles de dólares, a las interfaces actuales que pueden costar solamente cientos o miles de pesos.

La tecnología y el software han tenido una gran evolución en los últimos 20 años, haciendo que ahora casi cualquier persona pueda realizar grabaciones digitales.

La grabación digital ofrece grandes ventajas como la flexibilidad, y el manejo de grandes volúmenes de información, con lo cual se pueden grabar muchas coas y consolidarlas, algo que para elementos análogos era más complejo de realizar. La reducción de costos también es una ventaja ya que actualmente las opciones son muchas y por tanto mas baratas. La distribución es mas rápida y mas estandarizada. Y  al momento de terminar una grabación, simplemente un USB puede ser suficiente para obtener tus archivos a la mas alta calidad disponible.

Sin embargo la democratización de la grabación conlleva otros retos que consideraremos en futuros artículos.

Las grabaciones en vivo (Live Session)

Estas ofrecen un proceso mucho más corto y sencillo sin embargo también hay mayor posibilidad de error y menos oportunidad de corrección.  Sin embargo esa vibra que solo se logra al grabar una banda interactuando en el escenario.

La Grabación de Estudio

Son las que generalmente se utilizan para realizar la grabación de un disco, y ofrece un mayor reto para los músicos sin embargo con esto también mayor calidad ya que al grabar a todos por separado el tiempo y el esfuerzo es mayor en cada uno de los instrumentos dando una grabación de mayor calidad y producción Sobre el proceso de estudio  se puede dar por un orden más o menos general, que implica grabar la batería, después  el bajo, siguiendo con la guitarra base o rítmica, después la guitarra líder o solo y finamente baterías y arreglos.

Siempre hay que llegar bien preparados a nuestras sesiones de grabación. Practicados y con nuestras canciones memorizadas. Esto lograra que le ejecución sea la mejor que se pueda lograr y por ende el producto final también sea el mejor.

Sabemos que es doloroso pero en este caso, durante las sesiones de grabación, el agua es preferible a la cerveza……

Ahora que ya los conocen ustedes decidan que es lo mejor para su proyecto.

Déjennos sus comentarios y opiniones para generar discusión.

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¿Por qué una sala de ensayo?

Las salas de ensayo son espacios especialmente preparados para que una banda pueda ir a ensayar. Por lo general son lugares con suficiente espacio, preparación sonora y equipamiento para que las bandas puedan presentarse con sus instrumentos y ensayar. Así que si tu familia esta medio cansada de que los sábados por la mañana te encierres en tu cuarto o salgas a la cochera con tus amigos para ensayar; una sala de ensayo puede ser una muy buena opción a un costo accesible. Sin embargo una sala de ensayo puede ofrecer más que esto.

Guadalajara cuenta con una buena variedad de salas de ensayo que además son estudios. Por lo cual el la variedad  de equipo disponible en las mismas es de buena calidad, de marcas reconocidas  y modelos interesantes. Es aquí cuando uno de los valores agregados de las salas de ensayos toma vida.

Escoger equipo.

Muchas veces como músicos queremos hacernos de diferente equipo, y en nuestra idea musical y de concepto pensamos que le va bien a nuestra banda, sin embargo realizamos la inversión y nos damos cuenta que no necesariamente quedaba bien en el conjunto. Aprovechar los diferentes equipos que las Salas ofrecen puede ayudar a tomar una decisión adecuada. Es decir en una sala puedes “probar” diferentes tipos de amplificadores tanto de bajo como de guitarra y al momento de ensayar con tu banda te puedes dar cuenta si el tipo de amplificador te da el sonido que buscas. De esta manera puedes tomar una decisión más informada. Lo mismo pasa con parches para la batería, baterías en sí y platillos (aunque este caso es más raro).

Un punto de vista diferente.

Por lo general las personas que manejan las salas de ensayo son personas apasionadas y calificadas. Siempre es importante tener la retroalimentación de alguien ajeno a nuestra banda y que tenga conocimientos que nos pueda ayudar a mejorar. Desde nivelar volúmenes o en general performance de la banda.

Crear Relaciones

Las salas también sirven como un espacio para conocer nuevos músicos, o incluso bandas de diferentes estilos. Esto es importante ya que así se comienza a crear la red de contactos de tu banda. También podrás ver y escuchar bandas que están en diferentes niveles y estados. Desde las que van comenzando hasta las más profesionales. Nunca tengan miedo de asomarse a ver otra banda ensayar. Siempre es un alago tener público. Claro siempre dejen un buen comentario a la banda!!!

Las salas de ensayo son más que espacios en los cuales se puede ir a tocar. Son espacios de capacitación y reunión. Todo depende del cristal con que se miren…

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