Press Kit, ¿Realmente es necesario?

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En nuestros artículos anteriores hemos hablado sobre lo esencial para tener una tocada en vivo, y lo importante que es para tu proyecto musical el tener estas tocadas, también cubrimos de forma breve algunos tips para que el audio se mantenga chingon durante toda tu tocada, pero ahora vamos por algo diferente, comenzaremos a dar tips de cómo conseguir estos eventos.

Lo primero que necesitas tener es un Press Kit, ¿para qué?, bueno es la carta de presentación de tu banda, además es súper útil ya que lo necesitaras para entrevistas en radio o tv, para hacer Networking con managers, disqueras, venues,

¿Qué es lo que tiene que contener?

Bio.

La biografía de tu banda, no la de los integrantes, así que asegúrate de que sea, corta pero que tenga información concreta como, integrantes y que instrumento toca cada uno, fecha de formación de la banda, un resumen del objetivo de tu proyecto.

Hitos.

En esta sección se enfoca en “presumir” tus logros, y no necesitas forzosamente incluir festivales si aún no has llegado allí, bastará con mencionar si has tocado fuera de la ciudad, o algunos de los bares donde te has presentado, así como entrevistas para radio o participación en blogs o eventos públicos, sólo asegúrate de mencionar lo más relevante, la idea de esta sección es presentar que tu proyecto es profesional y existe compromiso, para los dueños de los bares es importante saber que no les quedarás mal y que tu proyecto de hecho tiene seguidores que lo respaldan.

Media:

Aquí es donde debes mencionar las redes sociales de la banda, así como links para la música, de preferencia en spotify y itunes music, pero si sólo tienes un sound coloud, también incluirlo. Si tienes vídeos de buena calidad de alguna presentación en vivo, este es lugar para ello, ya que sería muy importante para los bares el ver un poco del show que has montado. Además de todo esto asegúrate de incluir fotos (profesionales o de la mejor calidad posible) así como el logo de tu banda

Por último, no olvides que el formato tiene que ser coherente con tu banda y que este documento será tu carta de presentación por lo que no dejes pasar errores de redacción o de ortografía. Este es sólo el principio de lo que se necesita para tener shows, pero es una herramienta fundamental para mostrar profesionalismo en tu proyecto.

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Tocando en Vivo – Lo esencial

Tocando en vivo


Muy frecuentemente las bandas pasan mucho tiempo preparándose para una tocada o varias tocadas, invierten tiempo y esfuerzo en tocar lo mejor posible para poder deleitar a sus escuchas, sin embargo en la mayoría de los casos no se toma en consideración una parte vital para que el espectáculo pueda darse… y esto es estar preparado para una tocada.

Preparándose.

Por lo general antes de una tocada cada músico se preocupa por su instrumento, tanto en el almacenamiento como en el transporte del mismo, es decir, la guitarra y su bolsa o estuche, la voz y su libro de letras, el bajo con su bolsa o estuche, la batería todos los tambores, platillos y su bolsa, y las baquetas… ah y no olviden el pedal y el banquito!.

Sin embargo hay muchas cosas que se quedan volando y que son muy importantes pero no tan obvias.

Los Básicos para tocar en vivo

Primero que nada lo mejor es hacer una lista de lo que por experiencia se ha necesitado, así nunca saldrán sin algo que les haga falta y que pueda ayudar a resolver problemas cuando toquen en  vivo, por ejemplo una extensión eléctrica ya que nunca falta que las conexiones a la luz estén lejos del lugar en donde estarán ubicados, o una pequeña lámpara para encontrar cualquier cosa que se caiga o incluso para asegurarse de que no están dejando nada.

A continuación pueden encontrar una lista en Amazon que contienen nuestras sugerencias sobre lo que pueden incluir como un paquete básico. También se pueden dar una idea del costo.

Lista Básica para Tocar en vivo

Giras locales

Las giras locales presentan un reto un poco mayor a el solamente tocar en vivo esporádica mente, en muchas ocasiones la banda debe contar con equipo y capacidad de transporte para el mismo.

Además de lo antes mencionado y lo contenido en la lista, existen algunas cosas adicionales que pueden ayudarles no solo a resolver problemas si no también a prevenir si algo llega a suceder, es decir si hay un poco más de capital podrías invertir en diferentes artículos como una caja para transportar equipo, o en un paquete de cuerdas, o una llave adicional para la batería. En adición a los básicos puedes pensar en los siguientes artículos para mejorar tu presentación en vivo.

Toma en cuenta la siguiente lista si tu banda está pensando en tener giras locales, o frecuentemente se presentan en vivo.

Lista para Giras Locales

Déjenos saber en los comentarios que mas deberíamos agregar a cada una de estas listas para que estemos mejor informados y las bandas estén mejor preparadas.

 

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El nuevo “Name of the Game” en la música.

Esta vez tenemos un artículo corto, en seguimiento a nuestra última aportación sobre audio en vivo,  ahora veamos el tema de tu show, y es muy común que las bandas que recién comienzan con su proyecto musical, estén enfocados en crear música, que es perfectamente válido, si embargo en esto hay algo escondido, el hecho de pensar que la banda tiene que crear música implica también esperar que sus seguidores estén solamente buscando “música”, pensar de esta manera limita el crecimiento del proyecto.

¿Por qué?

Bueno es tan simple como si lo que piensas es que el objetivo de tu banda es crear música y esperar que las personas te escuchen y eso es todo que con eso ambas necesidades están satisfechas. Si se piensa de esta manera se dejan de lado las tocadas, y los shows que también son muy importantes para todas las bandas. En esta era de música digital, el público no está interesado en “gastar” dinero para  comprar música, y si el enfoque original es solamente esto…. de alguna manera condena el proyecto al fracaso.

¿Entonces que se puede hacer?

Para ilustrar esto voy a hacer una comparación de un modelo exitoso. Hasta hace unos años, las personas estaban dispuestas a gastar dinero en comprar películas en DVD o Blue Ray, pero ahora es mucho menos común que la personas gasten su dinero en ellos lo que nos lleva al famoso caso de la quiebra de BlockBuster, ¿Por qué se fue a la banca rota?, simple, por que vendían películas, un producto por el las personas ya no están dispuestas a gastar, ahora veamos a Netfix, su visión menciona lo siguiente “Convertirse en el mejor servicio de distribución global de entretenimiento, a través de contenido original y licenciamiento” como puedes ver ellos no venden películas, venden entretenimiento.

 Es fundamental que tu proyecto no se vea limitado a la música, tu proyecto tiene que ser más completo, y si lo que “vendes” a tus seguidores es entretenimiento, esto te puede generar muchas oportunidades, como live streams, shows o tocadas, incluso un blog donde le hables a tus fans de cómo están preparando las nuevas rolas, o crear un video “detrás de cámaras” del proceso de grabación de tu EP, todo esto es ofrecer entreteniendo a tus seguidores, sólo asegúrate de tener un plan de como entregar este contenido a tus seguidores, y tener una forma de medir a cual contenido responde mejor tu base de seguidores para poder ofrecer contenido similar.

Esto conlleva dedicar tiempo no solo a la creación de música, si no a la creación de un concepto completo que englobe tu proyecto. La misma atención y dedicación que se requiere para crear canciones se tiene que tener para comunicar y entretener, definir tus shows y tus estrategias en redes sociales.

Posiblemente la música de RAMSTEIN no sea la que más disfrutemos incluso pocos saben algún nombre de sus canciones, pero a nadie se le olvida que el tipo se prende fuego en el escenario! ; O posiblemente U2 no sea la mejor banda del mundo sin embargo todos saben que sus shows son de los mejores.

Así como Foo Fighters dedica una buena parte de su tiempo a la edición de videos documentales sobre música en donde hablan de sus álbumes y experiencias..

En esta era, las canciones son sólo el pretexto, y el nuevo “name of the game” es Entretenimiento. Y tu ¿qué ofreces?

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Mejora tu audio en vivo.

Hoy nos ponemos en el lugar del público y creo que todos hemos experimentado la situación donde una banda que toca en vivo, digamos en un bar o una sala de concierto pequeña,  comienza con su set, y las primeras rolas suenan increíble, pero conforme pasa el show el audio de la banda “se desmorona”, simplemente y las ultimas rolas ya no suenan tan chido como las primeras, pero en su contraparte, ves como los integrantes de la banda están súper nerviosos en las primeras rolas pero, al llegar a las ultimas rolas a pesar de que el audio esta hecho un desastre la banda está disfrutando su espectáculo conectan con la audiencia y en teoría las coas tendrían que estar en su mejor momento.

¿Cómo llegamos a este punto?

La respuesta corta es, fatiga de escucha, o como el término en inglés “ear fatige”, lo que hemos visto de forma recurrente es el siguiente escenario, antes de comenzar el evento, la banda llega y hace su sound check, llega el momento de comenzar con el show, durante las primeras rolas el público escucha el buen trabajo que se realizó durante el sound check y el balance de los instrumentos está bien realizado, sin embargo, como lo comentamos, los miembros de la banda están nerviosos, y al no contar con un sistema de monitores que les permita escucharse a ellos mismos, o a los otros integrantes de la banda, comienza uno de los principales problemas, la manipulación del audio post sound check, el escenario más común es cuando el ampli del bajo está del lado izquierdo del escenario y el guitarrista rítmico está frente a la batería, y el bombo no le permite escuchar el bajo, por lo que le pide al bajo que le suba a su ampli para poder guiarse, pero ahora el guitarrista líder no se escucha a el mismo, y para la tercera rola le sube a su ampli para poder escucharse el mismo, este círculo de no te escucho, bájale, o  no me escucho y le subo a mi sonido, curre toda la noche, y para el final del show, es un caos.

¿Cuál es la solución?

En realidad este problema se puede resolver de dos maneras, la primera es la más costosa y es el adquirir una pequeña consola donde se pueda distribuir el audio  a todos (sistema de monitores), y si bien esta es la opción más costosa, también es la que recomendamos, ya de alguna forma obliga a que la banda cuente con un ingeniero de audio, esto le permite a la banda el concentrarse en su show y no en lidiar con los  problemas de audio, además permite que el ingeniero se encargue de que el audio en el lugar sea optimo y sólo él debe de mover el volumen de los instrumentos,  (toma en cuenta que esta figura siempre puede ser un amigo que le guste el audio y tenga un buen oído, no necesita ser ingeniero profesional),

La segunda opción es mucho más simple, una vez establecido el balance de los instrumentos en el sound check, no está permitido que nadie le mueva a los instrumentos, ¿y si las cosas no van bien? Aquí la solución es tener a un amigo que sepa escuchar la banda y sea él quien, este entre el público y le indique a la banda si el balance está bien o se necesita subirle a algún instrumento o, aún mejor, bajarle a un instrumento, ¿pero si no escucho bien en escenario? La solución es muy simple, muévete de lugar, si estoy tocando y no escucho el bajo en una parte, pues caminó un poco hasta que tenga la referencia que estoy buscando, esto es un gran ejercicio para la banda ya que les perime desarrollar la habilidad de escuchar a los otros integrantes de la banda antes de tener la necesidad de escucharse a ellos mismos.

Con estos consejos podrás tener un mejor show y también desarrollas habilidades que son importantes para el crecimiento de tu proyecto.

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La otra madurez de tu banda…

Si, tengo 37 años, tengo un hijo de 3 y veo la vida muy diferente de como la veía cuanto tenía 20 años, no puedo escribir este contenido sin hacer este disclamer, advertidos están.

Últimamente me he puesto a pensar en una frase relativamente común.  X, Y o Z banda es una banda “madura”,  ¿Pero qué diablos es eso? Y porqué parece ser tan importante.  Lo que podría ser lógico es que una banda madura es la que tiene músicos, que saben lo que están haciendo, guitarristas que saben de su instrumento, vocalistas que saben de solfeo, o bateristas que practican diariamente rudimentos y dominan al metrónomo.

Podríamos también confundir esto con ser una banda “profesional”, lo cual es llegar a tiempo a las tocadas, estar conscientes de sus instrumentos y no tener que estar pidiendo prestada una extensión para conectar sus pedales, una banda que está al pendiente de su inbox y responde sus correos sin faltas de ortografía y con una redacción clara.

Pero en este artículo vamos a hablar de la otra madurez, de la que nadie habla; de la madurez de los miembros de la banda,  este elemento es INCREIBLEMENTE importante para el éxito de tu proyecto musical.

¿Porqué se requiere madurez?

Se requiere madurez para entender, que cuando el baterista te dice, estás entrando antes, no es una crítica a tu persona,  que cuando el vocalista de tice, estás desafinándote en los coros, no te está agrediendo a ti, se requiere madurez para entender que un bar tiene un compromiso con sus clientes de comenzar a las 8, los clientes tienen la expectativa de escuchar a tu banda a las 8 y si a las 8 no comienza, la gente probablemente deje de seguirte o haga malos comentarios, y se requiere madures para entender que la auto critica es una de las mejores herramientas que una banda tiene para crecer.

Se requiere madurez para entender que la canción es de la banda y probablemente no quieran que tu solo de bajo dure los 15 minutos que tú tienes en tu cabeza, y no es porque sean mala onda contigo o porque no crean que eres un excelente músico instrumentista, es porque es lo mejor para la canción, a pesar de lo que “el que trajo” la rola piense, se requiere madurez para dejar ir tu canción y dejarla que se convierta en la de la banda. (Luego te preguntas porque no quieren tocar “tu” rola en los toquines, o porque no los ves tan prendidos con esa canción)

Se requiere madurez para entender que tus padres tienen un interés genuino en tu bien estar y mientras tú no les demuestres que esto no es un juego, que tienen un plan claro de cómo hacer de la música algo “redituable”, no lograrás que te den ese apoyo que estás buscando. En lugar de pelear con ellos todo el tiempo porque no te entienden o no te apoyan.

Se requiere madurez para saber que no todas las oportunidades son buenas y que habrá momentos en que se tiene que decidir conservar una amistad y perder un miembro de la banda.

Esta madurez es muy importante para lograr que tu proyecto tenga éxito, pero por desgracia no es algo que se pueda comprar en el súper, o que se le pueda practicar como si fueran escalas y rudimentos.

La mejor forma de comenzar es, aceptar que se comenten errores, aceptarlos, afrontarlos  y estar dispuesto a ofrecer disculpas, con tus compañeros de proyecto, o con quien hayas afectado con un comportamiento in adecuado; comienza haciendo una reflexión y recuerda que las críticas son para mejorar, no lo tomes tan personal.

Al final de cuentas, la madurez de una banda depende en gran parte de la madurez de los miembros que la conforman, y el reflejo de esto es una banda con seriedad en su trabajo dentro y fuera de los escenarios;  en la que sus miembros saben manejar adecuadamente sus emociones y entienden la diferencia entre el proyecto del que forman parte y su persona.

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Los Productores

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Dentro de la industria musical existen diferentes figuras que tienen gran influencia, desde los músicos hasta los grandes empresarios, sin embargo existe una figura que tiene una trascendencia superior desde el punto de vista del poder – El productor.

Los productores se  pueden encargar de diferentes tareas que van desde reunir las ideas del proyecto y fomentar la creatividad, hasta controlar las sesiones de grabación, instruir o guiar a los intérpretes, supervisar la grabación, la mezcla y participar en el proceso de masterización. Sin embargo ahora los productores también han tenido un mayor rol desde el punto de vista empresarial.

Los productores pueden ser musicales o ejecutivos, siendo los musicales quienes se encargan más del desarrollo de la música y los ejecutivos enfocados en las finanzas de todo  el álbum. Sin embargo hablando  productores y su forma de trabajar podemos tratar de definirlos en 3 tipos.

El Productor Libre.

Este es un productor que se involucra muy poco en el proceso creativo de la banda, por lo general coordina sesiones y posiblemente escoja el estudio, sin embargo no se involucra en el proceso. Este tipo de productor busca ofrecerle a la banda todo lo que sea necesario para que tenga un proceso creativo exitoso, y no es hasta que se están obteniendo resultados que el comienza a involucrarse. Es ahí donde ofrece una guía y opinión. Cabe  destacar que el productor tiene la última palabra sobre que va y que no. Estos productores suelen trabajar con bandas consolidadas, que tienen experiencia y un sonido propio, sin embargo necesitan una opinión de autoridad sobre que puede o no funcionar.

Un gran ejemplo de este tipo de producción es Rick Rubin. Rick es un veterano de la industria, varias veces ganador del Grammy, famoso por su trabajo en diferentes estilos como el Rap y Heavy Metal. Fue nombrado el productor más importante de los últimos 20 años y uno de las 100 personas más influyentes en el mundo por la revista time en el 2007.

Rick ha colaborado con grandes bandas como Run D.M.C, Slayer, Red hot chilli Peppers, AC/DC, Jonny Cash, Tom Petty, Smashing Pumpkins, System of a down, Krishna Das, The Mars Volta, Jay-Z, Slipknot, Weezer, Shakira, Sheryl Crow, Justin Timberlake, U2, Metallica, Pete Yorn, Neil Diamond, Lady Gaga, Eminem, Ed Sheeran entre otros.

A continuación puedes escuchar un extracto de su amplio trabajo que muestra lo variado de estilos y lo grande que ha sido su influencia.

 

El productor de Semi control

Este tipo de productor es un poco más involucrado que el productor libre. Es un productor que participa más en el proceso creativo apoyando y guiando a las bandas. Por lo general estos productores tienen ideas muy precisas sobre como influir en la creación de un álbum, sin embargo dejan que las bandas se guíen por si mismas. Trabajan con bandas consolidadas que los buscan ya que les gusta trabajar con cierta dirección y necesitan influencias dentro de su proceso creativo.

Un ejemplo de este tipo de productor es Brendan O’Brien. Un nombre muy relevante durante la década de los noventas, gran propulsor de bandas con un gran crecimiento en el movimiento Grunge que supo encontrar los sonidos correctos para influenciar a millones de personas.

Ha trabajado con grandes bandas como : Stomp Temple Pilots, Pearl Jam, Rage Against the Machine, Limp Bizkit, KoRn, the Offspring, Train, Incubus, the Wall flowers, Audioslave, Arosmith, my Chemical Romance.

A continuación una selección de musica producida por Brendan.    Tip para escuchar: ¿Que tienen en común Pearl Jam, Stone Temple Pilots,  koRn y Audio Slave en esta lista de reproducción? R: utilizan el mismo sonido en la tarola…. Cortesía del señor O´Brien.

 

El Productor de sonido propio.

Este Tipo de productor es muy particular. Es un productor que se involucra muchas veces hasta dentro del proceso creativo de las bandas teniendo una influencia fuerte sobre lo que debe ser el resultado. Tienen ideas muy profundas y arraigadas sobre cómo debe sonar la producción. Por lo general son productores muy enfocados a un particular estilo y tienen vasta experiencia en el mismo. Las bandas suelen buscar a este tipo de productores cuando tienen claro que están buscando pero necesitan ayuda para llegar ahí, es decir, una banda sabe que quiere hacer un álbum que suene diferente a lo que han hecho antes y necesita una guía para lograrlo.

Un ejemplo de este tipo de productores es Joseph Henry Alias T-Bone Burnett, productor americano de una estatura cercana a los 2 metros, fue guitarrista de Bob Dylan y además de dedicarse a la producción es comisionado por la Biblioteca nacional de los Estados Unidos para recolectar y curar todo el bagaje musical del país (particularmente las primeras grabaciones), algo que ha influenciado significativamente sus producciones.

T-Bone ha colaborado con diferentes bandas entre las mas destacadas estan The corrs, Elton John, Diana Krlall, Lisa Marie Presley, Elvis Costelo,  Jacob Dylan, B.B King, Robert Plant, Gregg Allman, Natalie Merchant, Wallflowers, Counting Crows, Los Lobos, ademas de proyectos para TV y cine como sountracks para The Hunger Games, Cold Mountain y Great balls of fire! Entre otras.

Aquí una muestra del trabajo de T-Bone, quien siempre logra darle un estilo vintage 50’s 60’s así como tonos campiranos a sus producciones.

 

Estas personas son algunas de las más importantes en la música pero no solo eso, su poder se extiende hasta tus oídos. El poder que ellos tienen y ejercen es el definir, aceptar o rechazar lo que tú vas a escuchar…. ¿Cuantas canciones han quedado en el tintero que hubieran tenido un gran éxito pero excluidas por personajes como estos?.

 

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Cada quien tiene su lugar conozcan el suyo.

La grabación ha terminado, y en caso de ser necesario, se ha realizado la edición de audio para ajustar detalles mínimos en tiempo y tono, y es ahora cuando el estudio realizará la mezcla de cada canción; este es un proceso complejo y sumamente técnico, pero, puede ser resumido de la siguiente forma.

La mezcla de es establecer el balance de los elementos de la canción, ¿Qué es lo que buscamos balancear?, pues en términos generales se busca realizar un bance entre frecuencias y volumen, es decir, que ningún instrumento opaque a otro instrumento, por ejemplo buscamos que el volumen de la batería no sea tan alto que no se pueda escuchar la letra que canta el vocalista, o bien, que las guitarras no se escuchen porque el bajo tiene mucho volumen.

Una cosa más, balance no significa que todo esté al mismo volumen, por ejemplo se han grabado guitarras eléctricas y guitarras acústicas, sin embargo, las guitarras acústicas, son sólo un soporte, y no juegan un papel principal en la canción, por lo que no tiene sentido que ambas guitarras estén al mismo volumen, el balance es realizado siempre en relación al objetivo emocional de la canción y la sección en cuestión, por lo que el volumen de las guitarras en relación al bajo puede variar dependiendo si es verso, coro, o puente.

Hablemos de las frecuencias.

Aquí la parte técnica, y aunque en estos artículos buscamos alejarnos de la parte técnica, en esta ocasión es necesario abordar un poco el tecnicismos para ayudarte como músico, no hablaremos de que son las frecuencias, pero hemos armado un pequeño esquema que nos ayude a entender el tema, entendamos las frecuencias como el tono de tu instrumento (si, incluida la batería).

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Como puedes ver en el esquema cada instrumento produce un rango de frecuencias, y estos rangos no son mutuamente excluyentes. En este ejemplo usaremos el bombo y el bajo, que son instrumentos que siempre viven en un empalme, y es lo que la mezcla de audio busca “resolver”.

A través de la ecualización el ingeniero de mezcla puede ayudar a que las frecuencias de un instrumento estén superpuestas a las mismas frecuencias de otro instrumento, siguiendo el ejemplo del bajo y el bombo, el ingeniero puede reducir una frecuencia del bombo (digamos 100 hrz) y para lograr que el bajo salga victorioso en este empalme de frecuencias.

¿Quién define estos des-empates?

Ojo, este es tu proyecto y tú eres el responsable de definir estos elemento, desde el momento de crear tus rolas necesitas estar consiente de estos empalmes entre instrumentos y definir quién es el que debe sobresalir, sin embargo si no comunicas esto, lo más probable es que sea el ingeniero de mezcla realice estas decisiones, en un artículo posterior hablaremos sobre los casos es que el hecho de que el ingeniero sea quien tome las decisiones puede ser algo bueno para tu proyecto.

¿Y qué hay del ambiente?

Finalmente, como banda necesitas estar consciente del ambiente donde se desarrolla tu rola, dependiendo del objetivo emocional podemos darnos una idea general del ambiente (reverberación) quieres una rola muy ambiental como si se escuchara lejana en una cueva, o en una nave industrial, buscan que sea percibida con muy poco eco, no olvides comunicar esto a los ingenieros, en muchos casos el género ayuda a determinar el ambiente, por ejemplo el punk se caracteriza por un sonido “seco”, mientras que el surf, se caracteriza por un sonido de spring-reverb. Lo importante es que esto sea comunicado para no encontrar sorpresas al recibir las revisiones con el estudio.

Cada estudio tiene un método para realizar las revisiones de mezcla, no olvides preguntar cuál es el proceso y cómo puedes tu externar tu opinión en cuanto a los balances realizados por el ingeniero de mezcla, pero sin una visión clara de cómo quieres que suenen tus rolas el proceso será largo y poco efectivo.

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La Magia no existe pero los milagros tampoco.

Edición- Que se puede y que no

La edición es el proceso para rescatar una buena interpretación con una leve variación en tiempo y /o Tono en su ejecución.

Suena muy rebuscado, sin embargo se refiere a algo muy simple. La grabación busca capturar la mejor interpretación con el menor número de errores en ejecución; busca capturar la interpretación más apasionada en donde la música transmita más, a pesar de contar con ciertos errores. Sin embargo todo tiene un costo.

La Música Perfecta.

Con el paso del tiempo y el desarrollo de la tecnología la ingeniería de sonido ha evolucionado, no solo con librerías de sonidos perfectos en tono y nota, sino también con las herramientas para modificar las ondas sonoras. Gracias a esto es posible apoyar la calidad de las grabaciones o incluso hacerlas completamente digitales.

Es importante destacar que el abuso de estos elementos tiene un impacto en la música, cada modificación que se realiza a la onda de audio tiene un impacto. Ya sea la modificación de tiempo, o la modificación de tono tiene un costo en la calidad del sonido ya que este está siendo modificado.

Es por eso que el músico debe ser capaz de entregar en la grabación la mejor interpretación posible junto con la mejor ejecución posible. Esto hace que entonces las herramientas de edición jueguen a su favor y logren realzar más esa interpretación. Sin embargo, cuando la ejecución es mala y se necesita hacer una corrección mayor en la edición, esta pierde algo de alma o de impacto, y es cuando comienza a sonar falso o forzado como la clásica voz de robot.

Hay que tomar la edición con mucha responsabilidad ya que es importante mantener un balance entre rescatar una buena interpretación a costa del alma de la canción…

Diferencia entre algo corregible y algo perfectible.

Es muy importante ser honesto a la hora de realizar nuestras interpretaciones y saber cuáles son nuestras limitantes. Esto dará las herramientas necesarias al ingeniero para tomar las decisiones adecuadas al momento de la grabación. Siempre, lo más importante es tratar de tener la mejor ejecución posible ya que de lo contrario caemos en el juego de corregir, y una vez entrando en este modelo se tratan de arreglar los problemas en edición que debieron ser corregidos en grabación. Los músicos más consolidados son capaces de entregar una excelente interpretación con una excelente ejecución, lo que los hace no preocuparse por corregir si no por perfeccionar. Y esto al momento de editar ayuda para realzar la calidad de la grabación y afectar muy poco la onda de sonido.

¿Cuál es el balance?

Según Dave Grohl en el documental “Sound City” la música es imperfecta y hay que respetar eso sin caer en la mediocridad. Es más importante capturar la interpretación de una banda en su conjunto cuando la comunicación entre sus miembros es unísona que capturar una interpretación y después modificarla artificialmente buscando la perfección. Es por que la magia no existe ya que si la interpretación de un músico, o si la misma música es mala, no importa que tanta edición se realice, esa interpretación no será valiosa; y los milagros tampoco existen ya que para corregir una mala ejecución el costo en la afectación de la onda de sonido es mayor que el beneficio obtenido por hacerlo.

Déjennos sus comentarios sobre este tema… Saludos BRS

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¿Cuándo DIY?

Las grabaciones DIY (Do It Yourself) han tenido un gran auge en los últimos años, y han probado ser un verdadera opción para todos los músicos. En los últimos años la tecnología ha avanzado mucho no solo en los micrófonos y las consolas sino también en los DAWs (Digital Audio Workstation). Y esto está demostrado en la gran variedad de música que está disponible actualmente. Sin embargo es importante resaltar algunos de los retos más importantes para lograr una grabación DIY de calidad.

Retos

  1. Inversión en capital para la adquisición del equipo y del software así como también la inversión en tiempo que se le tiene que dedicar en conocer el equipo y el funcionamiento del software.
  2. Cuanta experiencia se tiene como ingeniero de sonido, ya que el trabajo del ingeniero de Sonido es muy importante para una grabación de calidad, esto no es solo poner los micrófonos, si no saber en dónde ubicarlos y en qué ambiente realizar una grabación.
  3. experiencia en el proceso de Grabación. Conocer y entender los procesos y seguirlos para ejecutarlos de manera efectiva.

Entonces cuando es recomendable hacer el salto al DIY?

En base a la Experiencia que tenemos y a lo que hemos visto con diferentes bandas podemos recomendar que el cambio al DIY se haga después del 3er disco o grabación que se tenga y aquí están las razones por que:

 1ª  Grabación.

En tu primera grabación por lo general existe el miedo, o más bien el desconocimiento, el estudio es algo ajeno y es la primera vez que se tiene contacto con él. No estamos muy seguros de que hacer y qué no. En este momento la banda está en desarrollo, por lo general no tienen un sonido definido y en general está poco consolidada, algunos miembros se cambian etc…

Realmente no estas poniendo atención en lo que sucede en el estudio el enfoque es primordialmente en la ejecución y en asegurarse de que tu primera grabación este completa y se escuche decentemente.

2ª Grabación

La segunda Experiencia te da un poco más de seguridad ya que ahora conoces el ambiente y sabes que esperar en el proceso. Tu banda se encuentra más armada, posiblemente con mejor equipo  y sobre todo con un concepto más claro.

Es aquí cuando comienzas a poner más atención al proceso de grabación, en donde se utilizan los micrófonos, cuales son los que se utilizan, y que técnicas de micrófoneo se están utilizando. Sin embargo tiene muy poco claro el proceso de edición y de mezcla.

3ª Grabación.

Para la tercera grabación ya cuentas con buena experiencia. El estudio es algo conocido y no te sientes fuera del lugar. Sabes que esperar y sabes por qué suceden ciertas cosas en el proceso de grabación. Tu banda está más consolidada y es por lo general cuando cada quien tiene su sonido definido y aceptado. Incluso es momento de decidir si el cómo suenan es como quieren seguir sonando o si cambiaran pero esto solo demuestra una madures superior en tu banda.

La ejecución de los instrumentos deja de ser un problema y ahora el enfoque es mayor en la edición y grabación, tienes más preguntas y tienes más que nada un concepto claro de que transmitir, así que la colaboración con el ingeniero de sonido es mayor y por lo tanto la grabación es de mayor calidad. Ya entiendes como funciona una interface y un DAW para manipular las pistas.

Es después de estas experiencias que un salto al DIY puede ser benéfico ya que el producto final puede ser de buena calidad. Y esto no esta tan ligado con el hardware o software, si no que el concepto está más amarrado por lo tanto sabes que estás buscando cuando entras en un proyecto de esta naturaleza.

Con esto no decimos que no lo intentes, solamente creemos que para obtener los mejores resultados es mejor estar más preparado. E incluso estar más preparado siempre lleva consigo la prueba y error.

Déjennos sus comentarios, cual ha sido su Experiencia en el proceso DIY y que le comparten a la comunidad?… BRS

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